mnbarts_logo_header
0411-Bak-Imre-Aktualis-helyzet.jpg
Bak Imre
Aktuális helyzet

Bak Imre

Aktuális helyzet

Készült
2013
Technika
akril, vászon
Méret
80x120 cm
A művész bemutatása

Bak Imre a hatvanas évek közepén alapozta meg festészetének karakterét, ami a mai napig támaszkodik a geometrikus absztrakt művészet tanulságaira. Dacolva – néhány pályatársával együtt – a kor geopolitikájával és az akkori társadalmi rendből adódó egzisztenciális és egyéb nehézségekkel, Bak kapcsolódni kívánt a kor egyetemes művészetéhez. Az Iparterv-kiállítások idejére (1968–1969) már megfogalmazódott benne a gondolat, hogy ötvözze az amerikai művészet hard-edge és minimalista tendenciáit a magyar avantgárd művészet tradícióival és a magyar népművészetből inspirálódó motívumokkal. Ez a strukturalista, a jelek és szimbólumok természetét vizsgáló program határozta meg a hetvenes években létrehozott festményeit. A nyolcvanas években Bak képeinek geometrikus rendszere egyre összetettebbé vált, előkészítve festészetének posztmodern fordulatát. Művészetében a rendszerváltás után a motívumok ismét „egyszerűsödtek”, nagyobb egybefüggő színfelületek jellemezték az építészet által inspirált festményeit. Ez idő tájt készült perspektivikus képei geometrikus formákból építenek fel tájakat, az építészeti tagozatokból emelt „struktúrák” fő motívumai köré építve. A kétezres évek után létrehozott, utolsó korszakához tartozó műveivel Bak visszatért a geometrikus festészet alapkérdéséhez: hogy miként lehet térillúziót teremteni a festészet síkbeli eszközeivel. A téglalap alakú színmezőket és a kettős színsávokat ötvöző kompozíciói a tiszta színek intenzív használatára épültek, amelyek egyértelműen a tér mélységének illúzióját keltik vásznain. 

 

Fenyvesi Áron 

A művész további alkotásai »
0087-Csaki-Robert-Alagut.jpg
Csáki Róbert
Alagút

Csáki Róbert

Alagút

Készült
2012
Technika
olaj, vászon
Méret
100x127 cm
A művész bemutatása

Csáki Róbert a kilencvenes évek óta van jelen baljós hangulatú, álomszerű vízióival a magyar festészet körében. A hagyományos táblaképfestészet tradícióját folytató világát a szürrealizmus és a rokokó bizarr kettőse határozza meg. „Alakjai – írta róla Novotny Tihamér művészeti író – súlytalanok, lebegőek, szinte levitálnak az emlékezet párájában: a való föloldódik a képzelet ködében, a látomás atmoszférájában.”

A budapesti születésű Csáki a rendszerváltás idején végezte el a Képzőművészeti Főiskola festő szakát. Legkorábbi művei már magukon viselték a 18. századi művészet hatásait, majd 1996-os hollandiai tanulmányút során talált rá arra a bizarr, groteszk, ijesztő bestiáriumra, amely a későbbiekben nagyban meghatározta művészetét. Pályakezdésétől fogva jellemző Csákira a nehezen bekategorizálható, de könnyen felismerhető, erős atmoszférájú festői világ teremtése. Stílusát klasszikus érzékenység, pasztózus ecsetvonások és virtuóz elkenések jellemzik. Szürreális, álomszerűen elomló művészi univerzumának lakói nemcsak a groteszk bábuk, hanem különféle állatfejű szörnyalakok, ködbe vesző rokokó figurák, de virtuózan festői stílusával megjelenít tengerparti tájakat vagy akár csendéleteket is. Hommage sorozatában pedig a művészettörténet klasszikusait írta át saját stílusvilágára, Monet vizililiomaitól Velázquez pápa portréjáig. Több évtizedes következetes pályafutása alatt számos vidéki és fővárosi helyszínen rendezett egyéni kiállítást. Budapesten él és alkot.

A művész további alkotásai »
0537-Szabados-Arpad-Alak-paros-I-II.jpg
Szabados Árpád
Alak páros I-II.

Szabados Árpád

Alak páros I-II.

Készült
2013-2014
Technika
akril, vászon
Méret
2 darabból áll, egyenként 180x140 cm
A művész bemutatása

Szabados Árpád (1944-2017) Munkácsy Mihály-díjas magyar festő- és grafikusművész, egyetemi tanár, rektor, érdemes művész. 1963-1968 között a Magyar Képzőművészeti Főiskola hallgatója volt. 1968-1973 között az Eötvös Loránd Tudományegyetem Apáczai Csere János gyakorló iskola tanáraként dolgozott. 1975-1988 között a Magyar Nemzeti Galéria GYIK-műhelyének, majd 1970-1984 között a Mozgó Világ képzőművészeti vezetője volt. Művészete hatalmas utat járt be a mindennapok agresszív, indulatos, expresszív, lírai vagy drámai, mélyen személyes és XX. századi, vagy általános emberi történéseitől a pszichikailag is a maga teljességében megélt és újrateremtett valóságtól és valós élményidőtől, a létezés és a jelenségei sokféleségének, az idő legkisebb elemeiben és legtávolabbi terében és változó kontextusaiban fellelhető közös tartalmainak, életszerű állapotoknak a feltárásáig és költői láttatásáig.

A művész további alkotásai »
0148-Szirtes-Janos-Alapigazsag.jpg
Szirtes János
Alapigazság

Szirtes János

Alapigazság

Készült
1986
Technika
vegyes technika, vászon
Méret
101x145 cm
A művész bemutatása

A magyar kortárs művészeti színtér ikonikus alakja, festő, grafikus, performer, videó- és médiaművész; nagyhatású reformer pedagógus, a budapesti Moholy-Nagy Művészeti Egyetem Média Design Tanszékének tanára.

Szirtes János négy évtizedre visszatekintő, különböző művészeti ágakon átívelő munkásságának meghatározó pontja, hogy a pozsonyi és a budapesti művészeti főiskolán végzett akadémikus tanulmányai mellett a 70-es, 80-as évek fordulóján a kor kiemelkedő underground művészeti műhelyeinek is tagja volt. Az Erdély Miklós által vezetett legendás Indigó-csoport kreatív kutatásai, művészetről vallott interdiszciplináris gondolkodása, a szentendrei Vajda Lajos Stúdió konvenciók alól felszabadító, dadaista légköre, valamint Hajas Tibor új utakat nyitó performanszai mind hatottak Szirtes János művészeti állásfoglalására.

Festészete a természeti népek motívumainak organikus-szürrealista feldolgozásától az élő szervezetek kristályaira bontott formavilágának felhasználásán át a réteges formalista kompozíciókig jutott el, ahol a tér élményét a különböző ornamentikájú rétegek egymásra építése adja meg. Az expresszív színekkel, dinamikus formákkal, archaikus elemekkel és különböző kultúrákból kölcsönzött motívumokkal átszőtt képei közös térbe hozzák a kanonizált és az alternatív (szub)kultúrát. A képalkotó folyamat akciónak, egyben performansznak vagy rítusnak is tekinthető – így a kép ezeknek a gesztusoknak és mozgásformáknak, vagyis az alkotói tevékenységnek a lenyomatait őrzi meg.

Kovács Krisztina

A művész további alkotásai »
1396 Kis RĘka Csaba - Aliens Should Not Try To Act Like People
Kis Róka Csaba
Aliens Should Not Try To Act Like People

Kis Róka Csaba

Aliens Should Not Try To Act Like People

Készült
2022
Technika
olaj, zománc, vászon
Méret
100×89,5 cm
A művész bemutatása

A magyarországi poszthumán hibriditás egyik meghatározó festőjeként két évtizede állandó szereplője önálló és csoportos kiállításoknak a hazai és nemzetközi színtéren egyaránt. Ezek közül kiemelendő a 2010-es Liverpool Biennálé, 2011-ben a berlini Factory-Art Gallery csoportos tárlata, hatására pedig a MACT/CACT Museum and Center of Contemporary Art svájci magánmúzeum gyűjteményébe való bekerülés, valamint 2011 után 2023-ban az újabb Esterházy Art Award jelölés.

Pályája során immár negyedik alkalommal kap vizuális gellert festészetének központi problematikája, az emberi figura reprezentációja. Míg a 2007-es diplomaszerzést követő pár évet alapvetően a klasszikus festészeti hagyományok, mint a barokk és a romantika dinamikus, drámai kontrasztok természethű, horrorisztikus szín- és formavilágba való narratív komponálása jellemezte szatirikus felhanggal, addig a 2010-es évek közepétől – teljesen levetkőzve a realista megközelítést – a szürnaturalizmus hatása bontakozott ki az „egészen abszurd, már-már karikaturisztikusan patologikus témakör kontrasztos laboratóriumában”, ahogy Rieder Gábor írta Federation Of Decomposed Organs And Stripes című kiállítása kapcsán. A festményein megjelenő emberi alak torz fragmentáltsága azonban 2020 után érte el tetőfokát, hiszen a humán testnyesedékek teljesen elváltak önmaguk referencialitásától. A gyűjteményben látható, ugyanannak a sorozatnak a munkáin immár absztrakt, dekonstruált festészeti elemként lebegve zsizsegnek a kép terében, akárcsak egy rajzfilmfigura filteres jelenléte egy másik valóságsíkra. Az amerikai autótuning jellegzetes színpalettáját idéző, többségében színátmenetes alaprétegre került rá az asszociatív fekete-fehér csík-plecsni, amely egyszerre zebraszőnyeg, hard edge-n alapuló furnér-konstrukciók és a kapitalista társadalom akciós vonalkódja. Utolsó képrétegként Kis Róka a gyakran popkulturális referenciákat kifacsartan idéző torz lényeket festette fel a vízbázisú zománcfesték „olvadt gumicukor” hatásával (Bad And Naughty, 2021). 2023 tavaszán azonban a művész teljesen törölte hardverét, és a trash-esztétika pixel art bitmap-mátrixában oldotta fel munkáinak képterét, ezzel a torz fragmentumlények pálcikaemberekként öltenek ismét teljes alakot.

Szabó Annamária

A művész további alkotásai »
0076-Csaki-Robert-Alkonyat.jpg
Csáki Róbert
Alkonyat

Csáki Róbert

Alkonyat

Készült
2012
Technika
olaj, vászon
Méret
130x160 cm
A művész bemutatása

Csáki Róbert a kilencvenes évek óta van jelen baljós hangulatú, álomszerű vízióival a magyar festészet körében. A hagyományos táblaképfestészet tradícióját folytató világát a szürrealizmus és a rokokó bizarr kettőse határozza meg. „Alakjai – írta róla Novotny Tihamér művészeti író – súlytalanok, lebegőek, szinte levitálnak az emlékezet párájában: a való föloldódik a képzelet ködében, a látomás atmoszférájában.”

A budapesti születésű Csáki a rendszerváltás idején végezte el a Képzőművészeti Főiskola festő szakát. Legkorábbi művei már magukon viselték a 18. századi művészet hatásait, majd 1996-os hollandiai tanulmányút során talált rá arra a bizarr, groteszk, ijesztő bestiáriumra, amely a későbbiekben nagyban meghatározta művészetét. Pályakezdésétől fogva jellemző Csákira a nehezen bekategorizálható, de könnyen felismerhető, erős atmoszférájú festői világ teremtése. Stílusát klasszikus érzékenység, pasztózus ecsetvonások és virtuóz elkenések jellemzik. Szürreális, álomszerűen elomló művészi univerzumának lakói nemcsak a groteszk bábuk, hanem különféle állatfejű szörnyalakok, ködbe vesző rokokó figurák, de virtuózan festői stílusával megjelenít tengerparti tájakat vagy akár csendéleteket is. Hommage sorozatában pedig a művészettörténet klasszikusait írta át saját stílusvilágára, Monet vizililiomaitól Velázquez pápa portréjáig. Több évtizedes következetes pályafutása alatt számos vidéki és fővárosi helyszínen rendezett egyéni kiállítást. Budapesten él és alkot.

A művész további alkotásai »
1224-Melkovics-Tamás-Alloy-Series-Composition-14.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 14.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 14.

Készült
2022
Technika
51 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
86,5x54x44 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
1225-Melkovics-Tamas-Alloy-Series-Composition-19.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 19.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 19.

Készült
2022
Technika
65 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
128x57,5x38,5 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
1226-Melkovics-Tamás-Alloy-Series-Composition-22.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 22.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 22.

Készült
2022
Technika
78 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
129,5x61x44 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
1227-Melkovics-Tamás-Alloy-Series-Composition-28.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 28.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 28.

Készült
2022
Technika
106 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
185x65x40 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
1223-Melkovics-Tamas-Alloy-Series-Composition-8.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 8.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 8.

Készült
2022
Technika
38 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
75x45x47,5 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
0619-Korodi-Zsuzsanna-Almappa-I.jpg
Kóródi Zsuzsanna
Almappa I.

Kóródi Zsuzsanna

Almappa I.

Készült
2019
Technika
ragasztott, kézzel csiszolt, polírozott üveg, UV festék
Méret
35x35 cm
A művész bemutatása

Kóródi Zsuzsanna képfelületei szoros rokonságot mutatnak az op-art, a kinetikus művészet és a tágabb értelemben vett konstruktív-konkrét festészet hagyományaival. A művek egyaránt tekinthetők képeknek, objekteknek és reliefeknek, ám nemcsak a műfaji besorolás bizonytalansága miatt ejtik zavarba a befogadót, hanem az egymásnak ellentmondó (tér)illúziók váltakozása által is. A geometrikus alapformák ritmikus ismétléseivel, a csíkok és hullámvonalak összetorlódásának és ritkításának tempóváltásaival létrehozott valós és virtuális képterek befogadásához maximális összpontosításra van szükség. A látvány dinamikusan változik, a néző mozgásának függvényében újabb és újabb konstellációk jönnek létre.

Kóródi műveit rokonítja az op-arttal a képtárgyak indusztriális karaktere is: a művek nélkülözik a személyes kézjegyeket. A látvány absztrakt karakterét átértelmezi és újabb kontextusokba helyezi a beszédes címadás. A képek azonban a narratív asszociációk ellenére sem válnak elbeszélő karakterűvé, hanem az optikai események színterei maradnak. Kóródi a jelentések helyett a jelenségeket kutatja: művei a vizuális impulzusok és a „reszponzív tekintet” játékát tematizálják.

Kóródi gyakran váltogatja az irizáló felületek szerkesztési elveit. Munkái a művészet és az illúzió régi dilemmáira kérdeznek rá. A nagy elődök öröksége nyomán provokálja a látást, párosítva a steril formákban rejlő ipari karaktert a felvillanó illúziók és a klasszikus kimunkáltság egyszeriségével és megismételhetetlenségével.

Zsikla Mónika

A művész további alkotásai »
0618-Korodi-Zsuzsanna-Almappa-II.jpg
Kóródi Zsuzsanna
Almappa II.

Kóródi Zsuzsanna

Almappa II.

Készült
2019
Technika
ragasztott, kézzel csiszolt, polírozott üveg, UV festék
Méret
35x35 cm
A művész bemutatása

Kóródi Zsuzsanna képfelületei szoros rokonságot mutatnak az op-art, a kinetikus művészet és a tágabb értelemben vett konstruktív-konkrét festészet hagyományaival. A művek egyaránt tekinthetők képeknek, objekteknek és reliefeknek, ám nemcsak a műfaji besorolás bizonytalansága miatt ejtik zavarba a befogadót, hanem az egymásnak ellentmondó (tér)illúziók váltakozása által is. A geometrikus alapformák ritmikus ismétléseivel, a csíkok és hullámvonalak összetorlódásának és ritkításának tempóváltásaival létrehozott valós és virtuális képterek befogadásához maximális összpontosításra van szükség. A látvány dinamikusan változik, a néző mozgásának függvényében újabb és újabb konstellációk jönnek létre.

Kóródi műveit rokonítja az op-arttal a képtárgyak indusztriális karaktere is: a művek nélkülözik a személyes kézjegyeket. A látvány absztrakt karakterét átértelmezi és újabb kontextusokba helyezi a beszédes címadás. A képek azonban a narratív asszociációk ellenére sem válnak elbeszélő karakterűvé, hanem az optikai események színterei maradnak. Kóródi a jelentések helyett a jelenségeket kutatja: művei a vizuális impulzusok és a „reszponzív tekintet” játékát tematizálják.

Kóródi gyakran váltogatja az irizáló felületek szerkesztési elveit. Munkái a művészet és az illúzió régi dilemmáira kérdeznek rá. A nagy elődök öröksége nyomán provokálja a látást, párosítva a steril formákban rejlő ipari karaktert a felvillanó illúziók és a klasszikus kimunkáltság egyszeriségével és megismételhetetlenségével.

Zsikla Mónika

A művész további alkotásai »
0616-Korodi-Zsuzsanna-Almappa-IV.jpg
Kóródi Zsuzsanna
Almappa IV.

Kóródi Zsuzsanna

Almappa IV.

Készült
2020
Technika
ragasztott, kézzel csiszolt, polírozott üveg, UV festék
Méret
37x61,5 cm
A művész bemutatása

Kóródi Zsuzsanna képfelületei szoros rokonságot mutatnak az op-art, a kinetikus művészet és a tágabb értelemben vett konstruktív-konkrét festészet hagyományaival. A művek egyaránt tekinthetők képeknek, objekteknek és reliefeknek, ám nemcsak a műfaji besorolás bizonytalansága miatt ejtik zavarba a befogadót, hanem az egymásnak ellentmondó (tér)illúziók váltakozása által is. A geometrikus alapformák ritmikus ismétléseivel, a csíkok és hullámvonalak összetorlódásának és ritkításának tempóváltásaival létrehozott valós és virtuális képterek befogadásához maximális összpontosításra van szükség. A látvány dinamikusan változik, a néző mozgásának függvényében újabb és újabb konstellációk jönnek létre.

Kóródi műveit rokonítja az op-arttal a képtárgyak indusztriális karaktere is: a művek nélkülözik a személyes kézjegyeket. A látvány absztrakt karakterét átértelmezi és újabb kontextusokba helyezi a beszédes címadás. A képek azonban a narratív asszociációk ellenére sem válnak elbeszélő karakterűvé, hanem az optikai események színterei maradnak. Kóródi a jelentések helyett a jelenségeket kutatja: művei a vizuális impulzusok és a „reszponzív tekintet” játékát tematizálják.

Kóródi gyakran váltogatja az irizáló felületek szerkesztési elveit. Munkái a művészet és az illúzió régi dilemmáira kérdeznek rá. A nagy elődök öröksége nyomán provokálja a látást, párosítva a steril formákban rejlő ipari karaktert a felvillanó illúziók és a klasszikus kimunkáltság egyszeriségével és megismételhetetlenségével.

Zsikla Mónika

A művész további alkotásai »
0356-Almasy-Aladar-Almombol-keserven-jarvan-Mondvan-Calliope-A-Muzsa-Aldasa-Horatiusnal.jpg
Almásy Aladár
Álmomból keservén járván Mondván Calliope A Múzsa Áldása Horátiusnál

Almásy Aladár

Álmomból keservén járván Mondván Calliope A Múzsa Áldása Horátiusnál

Készült
2018
Technika
pasztell, akvarell, tus, papír
Méret
56x76,5 cm
A művész bemutatása

Almásy Aladár a hetvenes években pályára lépő grafikusnemzedék egyik karakteres alkotója, akinek rajzos képzőművészeti univerzumát a misztikus lélektani szimbolizmus, a romantikus érzékenység és a nyelvi humor határozza meg. Kívülálló karakterét Szabó Noémi művészettörténész írta körül plasztikusan: „Romantikus-szürrealista eklektikát művel, a jelen kortól távoli álomvilágot épít, tele allűrrel és mégis őszintén.”

A debreceni születésű Almásy 1976-ban fejezte be grafikai tanulmányait a Képzőművészeti Főiskolán. A hetvenes években a Kondor Béla, Gross Arnold, Rékassy Csaba és Würtz Ádám nevével fémjelzett, az előző évtizedet meghatározó, iskolateremtő grafikusnemzedék folytatójaként lépett fel Szemethy Imrével együtt. Elsőként rézkarcokkal, litográfiákkal, aquatinta és mezzotinta technikával készült sokszorosított grafikákkal, valamint tollrajzokkal mutatkozott be. Esztétikai világát a szaggatott, tördelt rajzi fogalmazásmód, az álomszerű, szürreális víziók és a játékos nyelvi humor jellemezte. Számos hazai egyéni kiállításához már ekkor jártul pár nemzetközi tárlat is. Nagy botrányt kiváltó, 1978-as ars poeticája szerint individualista álmodozónak tartotta magát: „Létezésem egyedülálló vizuális formavilág, belső érzelmeknek a meghatározója, ez egy soha el nem kötelezett tiszta kimeríthetetlen világkép.” A nyolcvanas években fokozatosan sodródott a festészet felé, tördelt vonaljátékához felhőszerű színvoltokat társítva. Múltba révedő művészete a századforduló szimbolizmusának költői hangulatát idézte meg, a baudelaire-i metaforikus enigmától Gulácsy Lajos nosztalgikus álomvilágáig. Költői elbeszéléseinek hősei sokszor a kultúrtörténetből kerülnek ki (Széchenyi István, Luther Márton, Zarathustra stb.). A sokféle technikát felölelő életműben az ezredforduló tájékán megjelent a bronzszobor is. Sikeres pályakezdését számos állami kitűntetés kísérte a hetvenes-nyolcvanas években.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
1285-Moizer-Zsuzsa-Alom-a-husrol.jpg
Moizer Zsuzsa
Álom a húsról

Moizer Zsuzsa

Álom a húsról

Készült
2017
Technika
olaj, vászon
Méret
150x160 cm
A művész bemutatása

Moizer Zsuzsa 2004-ben végzett a Magyar Képzőművészeti Egyetem festő szakán. Széleskörű ismertséget a 2012-ben megjelent Mindenki tud rajzolni c. rajzos foglalkoztatóval szerzett (Barabás Zsófiával közösen), melyet számos nyelvre átültettek. Művészeti rezidencia programokon vett részt többek között Rómában (Collegium Hungaricum) és Bécsben (Alte Schmiede Kunstverein). Jelenleg Németországban, valamint Budapesten él és dolgozik.

Moizer Zsuzsa elsősorban akvarelljeiről és olajfestményeiről ismert, de szobrokat, installációkat is készít. Műveiben a női lét különböző témáit (intimitás, érzékiség, szexualitás), élet és halál körforgásának kérdéseit járja körül. Pályája önarcképsorozatokkal indult, majd fokozatosan egyre szélesebb tartalommal telítődtek alkotásai. A munkásságában vissza-visszatér az önábrázoláshoz, önarcképsorozatain a nőiséggel társított sztereotip tulajdonságok (áldozathozatal, gondoskodás, termékenység) öltenek formát. Visszafogott színvilágú képein az identitáskeresés, a nemi szerepek problematikája bontakozik ki. Olajfestményein az akvarellek expresszivitása és intuitív karaktere az önarcképek őszinteségével párosul, ahol teret enged a véletlen kompozíció formáló szerepének is. Az arcokat és a testeket általában más-más festői figyelemmel ábrázolja, ezzel teremtve feszültséget a megmutatott és a felszín mögött húzódó, a figuratív és az absztraktba hajló részletek között. Személyes, a művész intim szférájába bepillantást engedő festményei belső tájképekként értelmezhetőek, mintegy lekövetve a lélek redőit, az érzelmek mélységeit és magaslatait.

PV

A művész további alkotásai »
0459-Frey-Krisztian-Amig-a-vilag-kozepe-vagyok.jpg
Frey Krisztián
Amíg a világ közepe vagyok

Frey Krisztián

Amíg a világ közepe vagyok

Készült
1970 körül
Technika
vegyes technika, farost
Méret
100x66,5 cm
A művész bemutatása

Frey Krisztián a hatvanas években újjászülető magyar non-figuratív festészet egyik legeredetibb figurájaként alakította ki – a nyugati hatásoktól elzárt, szellemi légszomjtól küzdő hazai színtéren – sajátos kifejezésmódját. A háború utáni európai absztrakció egyéni nyelvet teremtő magyar képviselőjeként ötvözte az informel festészet lírai formáit és a kézírás gesztusait, Cy Twomblyhoz vagy Georges Mathieu-höz hasonlóan. 

Frey pályakezdése az ötvenes évek közepére esett. Egy vidéki fogorvos fiaként osztályidegennek bélyegezték, és nem kerülhetett be a Képzőművészeti Főiskolára, így sem a szocreál ideológiája, sem a főiskola konzervatív látványfestői eszköztára nem akadályozta meg belülről felfakadó esztétikai világának kibontakozását. Viszont rátalált a progresszív fiatalokat tömörítő Zuglói Körre, ahol nemzedéktársai a franciás absztrakció útjait kutatták. 1967-ben rendezhetett először egyéni kiállítást Magyarországon (a félreeső rákosligeti kultúrházban), ahol az átmázolt, „kifehérített” gesztusokból álló, monokróm festészet felé mutató Rákosligeti képek című sorozatát mutatta be. A hatvanas évek derekán – függetlenül a rákosligeti ciklustól – kiforrott egyéni stílusvilága: a keleti kalligráfia és a levéljellegű írásbeliség által inspirált, sajátos, absztrakt expresszionizmus. A maga által később „változó tempójú gesztusfestészetnek” nevezett festői világot a több színrétegből felépített szürke felületek, a széles, energikus, expresszív ecsetkezelés, a kézírás jellegű (többnyelvű) feliratok, a stencilezett betűk, a vandál falfirkák, a zodiákus jelek és az applikált fotók jellemezték. Karakterét nem a nyugati kalligrafikus absztrakció eleganciája, hanem az art brut és az arte povera olcsó léceket, durva karcolatokat, nyers gesztusokat használó „vécéajtó-esztétikája” adta meg. Folyamatos kísérőjük a nyers erotikus vágy és a legyőzhetetlen íráskényszer. Az Iparterv-tárlatokon való részvétel után Frey 1970-ben emigrált Svájcba, és a rendszerváltásig Zürichben élt. Itt a hetvenes évek végétől közel két évtizeden át matematikával, zenével és számítástechnikával foglalkozott. Experimentális komputerrajz-kísérletei a nemzetközi computer art úttörői közé helyezik. A rendszerváltás után visszalátogatott Magyarországra, és visszatért korábbi szkripturális festészetének továbbfejlesztéséhez. A hazai közönség csak hazaköltözése utána csodálkozott rá páratlan életművére, amit áthat a folyamatos íráskényszer, a szabad kifejezés és a kísérletezés parancsa.

Rieder Gábor 

A művész további alkotásai »
1194-Goth-Martin-Amoeba-in-the-Squared-Exercise-Book.jpg
Góth Martin
Amoeba in the Squared Exercise Book

Góth Martin

Amoeba in the Squared Exercise Book

Készült
2021
Technika
akril, vászon
Méret
100x70 cm
A művész bemutatása

Góth Martin a 2020 körül pályára lépő fiatal magyar művésznemzedék egyik markáns formanyelvet kialakító képviselője. Akril táblaképein a digitális retró keveredik a jelelmélettel és a szubkulturális ikonokkal.

A kaposvári születésű Góth Martin – berlini és glasgow-i kitérő után – 2021-ben végzett a Magyar Képzőművészeti Egyetem festő szakán. Az ekkor kiforró festészeti nyelvezete geometrikus hálórendszerbe ágyazott, sematizált jelekből és popkulturális motívumokból építkezik. A képeit szervező alapséma az olyan régi számítógépes játékok és társasjátékok négyzetes mezői, mint a tetris, az aknakereső, az amőba vagy a sakk. A hálómintát a korai Windows-okból ismerős háromdimenziós gombok, axonometrikus elemek, piktogramok és sematizált ikonok töltik meg. Ahogy Kollár Dalma Eszter kurátor magyarázta: „a 8×8 cm-es négyzetekből, és az őket elválasztó 1 cm széles vonalakból álló rendszer minden kép alapja. Ezeket töltötte meg Martin egy halom személyes kis történettel, vizuális gegekkel, fiktív karakterekkel.” A digitális retróból táplálkozó formakészlet precíz, pixeles esztétikai karakterét nyers festői gesztusok ellensúlyozzák, kézi firkák és graffitis fújásnyomok. Góth konceptuális megközelítésű művészete olykor elhagyja a táblakép síkját, és a játékmezőt kiterjeszti az egész kiállítótérre. Több egyéni és csoportos kiállításon is szerepelt már itthon. Budapesten él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0189
Gross Arnold
Amszterdam

Gross Arnold

Amszterdam

Készült
1980 körül
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
13x12 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
0634-Korodi-Zsuzsanna-Analog-XI.jpg
Kóródi Zsuzsanna
Analog XI.

Kóródi Zsuzsanna

Analog XI.

Készült
2019
Technika
kézzel festett, ragasztott, csiszolt üveg, UV festék
Méret
39x39
A művész bemutatása

Kóródi Zsuzsanna képfelületei szoros rokonságot mutatnak az op-art, a kinetikus művészet és a tágabb értelemben vett konstruktív-konkrét festészet hagyományaival. A művek egyaránt tekinthetők képeknek, objekteknek és reliefeknek, ám nemcsak a műfaji besorolás bizonytalansága miatt ejtik zavarba a befogadót, hanem az egymásnak ellentmondó (tér)illúziók váltakozása által is. A geometrikus alapformák ritmikus ismétléseivel, a csíkok és hullámvonalak összetorlódásának és ritkításának tempóváltásaival létrehozott valós és virtuális képterek befogadásához maximális összpontosításra van szükség. A látvány dinamikusan változik, a néző mozgásának függvényében újabb és újabb konstellációk jönnek létre.

Kóródi műveit rokonítja az op-arttal a képtárgyak indusztriális karaktere is: a művek nélkülözik a személyes kézjegyeket. A látvány absztrakt karakterét átértelmezi és újabb kontextusokba helyezi a beszédes címadás. A képek azonban a narratív asszociációk ellenére sem válnak elbeszélő karakterűvé, hanem az optikai események színterei maradnak. Kóródi a jelentések helyett a jelenségeket kutatja: művei a vizuális impulzusok és a „reszponzív tekintet” játékát tematizálják.

Kóródi gyakran váltogatja az irizáló felületek szerkesztési elveit. Munkái a művészet és az illúzió régi dilemmáira kérdeznek rá. A nagy elődök öröksége nyomán provokálja a látást, párosítva a steril formákban rejlő ipari karaktert a felvillanó illúziók és a klasszikus kimunkáltság egyszeriségével és megismételhetetlenségével.

Zsikla Mónika

A művész további alkotásai »
0190
Gross Arnold
Andersen emléklap I.

Gross Arnold

Andersen emléklap I.

Készült
1980
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
12x12 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
0082-Csaki-Robert-Angyal-az-agy-szelen.jpg
Csáki Róbert
Angyal az ágy szélén

Csáki Róbert

Angyal az ágy szélén

Készült
2008
Technika
olaj, fatábla
Méret
30x26 cm
A művész bemutatása

Csáki Róbert a kilencvenes évek óta van jelen baljós hangulatú, álomszerű vízióival a magyar festészet körében. A hagyományos táblaképfestészet tradícióját folytató világát a szürrealizmus és a rokokó bizarr kettőse határozza meg. „Alakjai – írta róla Novotny Tihamér művészeti író – súlytalanok, lebegőek, szinte levitálnak az emlékezet párájában: a való föloldódik a képzelet ködében, a látomás atmoszférájában.”

A budapesti születésű Csáki a rendszerváltás idején végezte el a Képzőművészeti Főiskola festő szakát. Legkorábbi művei már magukon viselték a 18. századi művészet hatásait, majd 1996-os hollandiai tanulmányút során talált rá arra a bizarr, groteszk, ijesztő bestiáriumra, amely a későbbiekben nagyban meghatározta művészetét. Pályakezdésétől fogva jellemző Csákira a nehezen bekategorizálható, de könnyen felismerhető, erős atmoszférájú festői világ teremtése. Stílusát klasszikus érzékenység, pasztózus ecsetvonások és virtuóz elkenések jellemzik. Szürreális, álomszerűen elomló művészi univerzumának lakói nemcsak a groteszk bábuk, hanem különféle állatfejű szörnyalakok, ködbe vesző rokokó figurák, de virtuózan festői stílusával megjelenít tengerparti tájakat vagy akár csendéleteket is. Hommage sorozatában pedig a művészettörténet klasszikusait írta át saját stílusvilágára, Monet vizililiomaitól Velázquez pápa portréjáig. Több évtizedes következetes pályafutása alatt számos vidéki és fővárosi helyszínen rendezett egyéni kiállítást. Budapesten él és alkot.

A művész további alkotásai »
0075-Csaki-Robert-Angyal-az-agy-szelen-II.jpg
Csáki Róbert
Angyal az ágy szélén II.

Csáki Róbert

Angyal az ágy szélén II.

Készült
2011
Technika
olaj, vászon
Méret
200x250 cm
A művész bemutatása

Csáki Róbert a kilencvenes évek óta van jelen baljós hangulatú, álomszerű vízióival a magyar festészet körében. A hagyományos táblaképfestészet tradícióját folytató világát a szürrealizmus és a rokokó bizarr kettőse határozza meg. „Alakjai – írta róla Novotny Tihamér művészeti író – súlytalanok, lebegőek, szinte levitálnak az emlékezet párájában: a való föloldódik a képzelet ködében, a látomás atmoszférájában.”

A budapesti születésű Csáki a rendszerváltás idején végezte el a Képzőművészeti Főiskola festő szakát. Legkorábbi művei már magukon viselték a 18. századi művészet hatásait, majd 1996-os hollandiai tanulmányút során talált rá arra a bizarr, groteszk, ijesztő bestiáriumra, amely a későbbiekben nagyban meghatározta művészetét. Pályakezdésétől fogva jellemző Csákira a nehezen bekategorizálható, de könnyen felismerhető, erős atmoszférájú festői világ teremtése. Stílusát klasszikus érzékenység, pasztózus ecsetvonások és virtuóz elkenések jellemzik. Szürreális, álomszerűen elomló művészi univerzumának lakói nemcsak a groteszk bábuk, hanem különféle állatfejű szörnyalakok, ködbe vesző rokokó figurák, de virtuózan festői stílusával megjelenít tengerparti tájakat vagy akár csendéleteket is. Hommage sorozatában pedig a művészettörténet klasszikusait írta át saját stílusvilágára, Monet vizililiomaitól Velázquez pápa portréjáig. Több évtizedes következetes pályafutása alatt számos vidéki és fővárosi helyszínen rendezett egyéni kiállítást. Budapesten él és alkot.

A művész további alkotásai »
0797-Veszely-Ferenc-Angyalok-hava-montazs.jpg
Veszely Ferenc
Angyalok hava, montázs

Veszely Ferenc

Angyalok hava, montázs

Készült
2015
Technika
ceruza, ecolin, karton
Méret
50x80 cm
A művész bemutatása

Veszely Ferenc (1946) 1968-ban végzett a Magyar Képzőművészeti Főiskolán, mesterei Barcsay Jenő, Kádár György és Konecsni György voltak. Alkotói sokrétűségét mutatja, hogy egyszerre foglalkozik festészettel, fotográfiával, grafikával, illetve szcenikával. Alapítótagja volt a Makói Grafikai Művésztelepnek, művészeti vezetője a Budavár Alkotóközösségnek (1986-1993) és a Magyar Iparművészeti Főiskola oktatójaként és tanfolyamvezetőjeként is dolgozott. Festményei közgyűjteményekben, többek között a Magyar Nemzeti Galériában is, valamint magángyűjteményekben is megtalálhatóak. Napjainkban a Kelenhegyi úti és dörgicsei műtermében felváltva dolgozik. Veszely bravúrosan fest, technikája kiemelkedő. Alkotásmódjára már az 1970-es évektől markáns műfajkritikus szemlélet volt jellemző, amely különös érzékenységgel reagál a tömegkultúra és a magasművészet kapcsolatára, a média új képalkotási stratégiáira, valamint a modern képtípusok és a hagyományos képzőművészeti műfajok ötvözésére. Korunk képalkotási gyakorlatának és technológiáinak társadalmi-ideológiai-szociális vetületeit vizsgálja, valamint vizuális kultúránk kollektív szimbólumteremtési folyamatait elemzi. A modern média, valamint a tömegkulturális jelenségekhez fűződő szoros viszonya miatt, művészete a pop-art jegyeit viseli magán, mely műfaji sokszínűségében, illetve egyedi tematikájában is tetten érhető. Ilyen műfaji sajátosság a kollázs, a montázs, valamint a talált tárgyak alkalmazása mellett a nézőpontok és az extrém beállítások sajátos megválasztása, tematikájában pedig gyakran bukkannak fel különböző művészettörténeti toposzok, zsánerek, valamint konkrét alkotások egyaránt. Az MNB gyűjteményben lévő alkotásai több csoportba sorolhatók. A 2003 és 2005 között készült munkáiban az érzékelés határait feszegeti, nevezetesen a nagyítás lehetőségeivel kísérletezve, a művész túldimenzionálja, extrém arányúra növeli a fürtök, szőlőszemek méretét, mely által a motívumok kiemelkednek eredeti kontextusukból, s a természetes méretüktől – és így közegüktől – megfosztott „gyümölcsök” a tömegmédia talmi csillogásának áldozataivá lesznek. A kollekcióban szereplő későbbi, 2010 és 2017 között készült alkotásaival a „régi” és az „új” viszonyát tanulmányozza a művész. Hagyományos képtípusokat, témákat, illetve művészettörténeti utalásokat felhasználva megszünteti, újrateremti és átformálja, mindezzel pedig a jelen dinamizmusába helyezi az adott klasszikus műveket körüllengő, már megkövesedett sztereotípiákat. Montázsszerű művein formahűen másolja, idézi a klasszikusokat, de közben el is tér azoktól. Az eredeti alkotás így nem szűnik meg, viszont „áttér” egy másik idődimenzióba, miáltal kitágítja a régvolt értelmét, s megteremti önmaga továbbélésének lehetőségét.

A művész további alkotásai »
0695-Hantai-Simon-Aquarelle.jpg
Hantai Simon
Aquarelle

Hantai Simon

Aquarelle

Készült
1971
Technika
akvarell, papír
Méret
65,5x56,5 cm
A művész bemutatása

Hantai Simon (Simon Hantaï) a Magyar Képzőművészeti Főiskolán tanult. 1948-ban egyéves párizsi tanulmányi ösztöndíjat nyert, amelyet a politikai változások következtében később visszavontak. Párizsba való emigrációja után megismerkedett André Bretonnal és a szürrealisták körével. Hatásukra erőteljes színvilágú vásznait fantasztikus lényekkel, organikus formákkal, biomorf alakzatokkal borította be, műfaji és technikai kísérleteket folytatott. A szürrealista képekkel párhuzamosan, a folyamatos kísérletezés eredményeként festészete egyre inkább gesztuálissá vált: a New York-i iskola párizsi bemutatkozásával az absztrakt expresszionizmus hatása alá került, mindenekelőtt Pollock festészete motiválta. A hatvanas évektől egy sajátos technikát (pliage) dolgozott ki: a vászon hajtogatásával, gyűrésével és festésével absztrakt mintázatokat hozott létre a hatalmas felületeken. 1982-ben Hantai képviselte Franciaországot a Velencei Biennálén; ezután döntött úgy, hogy egy időre visszavonul a nyilvánosságtól. A művészeti élettől való távolmaradása azonban nem jelentette a festészettel való szakítást: Hantai sohasem hagyta abba az alkotást és életművének szüntelen újravizsgálását. Alkotásai a hazai vezető művészeti intézményeken túl megtalálhatók olyan világhírű nemzetközi gyűjteményekben, mint a New York-i Guggenheim Museum, a párizsi Musée National d’Art Moderne vagy a római Vatikáni Múzeum.

Popovics Viktória 

A művész további alkotásai »
1370-Szabo-Lobot-Balazs-Ara-Loop.jpg
Szabó Lobot Balázs
Ara Loop

Szabó Lobot Balázs

Ara Loop

Készült
2021
Technika
akril, olajpasztell, oil stick, vászon
Méret
120x100 cm
A művész bemutatása

Szabó Lobot Balázs az ezredforduló után kibontakozó pesti street art színtér egyik emblematikus figurája. Festészetét a graffitiből táplálkozó, naiv, gyerekrajzszerű karakter határozza meg.

A nagykanizsai születésű Szabó – rövid ljubljanai kitérő után – a Magyar Iparművészeti Egyetemet végezte el 2005-ben. Pályakezdését a street artot képviselő 1000% csoport tagjaként az efemer, anonim, utcai vizuális alkotások határozták meg. Innen ered a később is használt „Lobot” művészneve. A műfajban nagy sikereket elérő 1000% rendszeresen megjelent a street artra nyitott kortárs kiállítási intézményekben, de Szabó saját, autonóm képzőművészeti munkáival is szerepelt budapesti tárlatokon. Művészeti világát a graffitik és a képregények spontán módon ötvözött, a 80-as évek Basquiatját idéző stílusa határozta meg, kelet-európaias barkács szellemiséggel társítva. Képi elbeszéléseit az underground zenei színtér élmény- és tárgyvilága járta át (keverőpultok, szintetizátorok, plakátok stb.), sokszor objektként öltve testet. Festészete 2020 környékére közelebb került az absztrakt nyelvezethez, de megőrizte naiv, gyerekrajz-szerű – az olajpasztell és az oil stick miatt sokszor zsírkrétarajzot idéző – karakterét. Téglarácsok, tekeredő szálak, csövek és körök semleges tér előtt kígyózva vagy építőkockaként egymásra halmozva. A nonfigurativitásba hajló, játékos kompozíciójú műveken helyenként felbukkannak a korábbi képi elbeszélések motívumtöredékei vegyítve a friss élmények rejtett jelképeivel. Szabó Budapesten él és alkot. Autonóm képzőművészeti és street art alkotásai mellett ismert alkalmazott grafikusként és VJ-ként is.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0914-Cseke-Szilard-Aradas.jpg
Cseke Szilárd
Áradás

Cseke Szilárd

Áradás

Készült
2007
Technika
olaj, lakkfesték, vászon
Méret
100x150 cm
A művész bemutatása

Cseke Szilárd a kilencvenes években pályára lépett nemzedék egyik népszerű alkotója, aki élénk színeket használó, dekoratív erdő-festményeivel és kinetikus installációival vált itthon és a nemzetközi színtéren ismertté. Festői látásmódját Révész Emese a kétezres évek jellegzetes attitűdjeként elemezte: „Cseke festői magatartása egyúttal generációs hitvallás is, amelynek alapvető gondolata a festői szépség rehabilitálása, az »örömfestészet« dacos felvállalása. A festő régi szerepköréhez visszatérve élményteremtő illuzionista, képe pedig egyúttal relaxációs és meditációs objektum.”

A Pápán született Cseke Szilárd a pécsi egyetem Képzőművészeti Karán, majd Főiskoláján tanult a rendszerváltás idején. Előbb műanyagból, autógumiból és ventilátorból szerkesztett mobil műveket, majd monokróm csendéleteket, illetve story board-szerű jeleneteket festett elomló ecsetkezeléssel. Karakteres stílusvilágára a kétezres évek elején talált rá, az ezredfordulón kialakuló, digitális kép-alapú új festészeti fősodor egyik markáns képviselőjeként. A 2002-től kiforró, derűs hangulatú, dekoratív korszaka az erdei fák és az égbolt romantikus, szimbolikus kettősét elemezte a digitális optikai tapasztalat utáni világban. A fotó alapú látványt rétegeire bontotta, majd fokról-fokra építette fel a képteret, változatos faktúrát teremtve. Helyenként visszakaparta vagy visszacsiszolta a felkent, felfestett, folyatott-csurgatott, pöttyögetett olaj-, akril-, zománc- és lakkfestéket. A különböző minőségű és megmunkáltságú, gazdag felületek a digitális képkészítés és a hagyományos képzőművészet konceptuális kérdésköreit is feszegették. Hornyik Sándor művészettörténész megállapítása szerint: „a festmény egésze távolról digitalizált fotó hatását kelti, közelről azonban feltárul az »alap« összetettsége, a zöld foltok nem pixelekre esnek szét, hanem finom ecsetvonásokká szerveződnek. (…) A végeredményben az az izgalmas, hogy egyszerre festői és hipermodern. A téma sablonossága abszolút másodlagossá válik, a technikai összetettség azonban kiválóan működik.” Az emblematikus erdő-festmények után Cseke visszatért az életképszerű kompozíciókhoz, majd – társadalmi viszonyokat elemző ̶ motorokkal ellátott, kinetikus, konceptuális installációkat épített. Legnagyobb installációs együttese Fenntartható Identitások címmel a Velencei Biennále magyar pavilonjában mutatkozott be 2015-ben. A folyamatosan új technikákkal kísérletező életműben 2020 környékén – a pandémia által megváltoztatott városi életmódhoz igazodva – újra megjelentek a természetbe visszavágyó erdő-festmények, víziószerű élénk színekkel megjelenítve. Cseke Budapesten él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0448-Ilona-Keseru-Ilona-Aramlas.jpg
Keserü Ilona
Áramlás

Keserü Ilona

Áramlás

Készült
1975-1989
Technika
akril, vászon
Méret
180x120 cm
A művész bemutatása

Keserü Ilona festészetének tengelye a színekhez időben és térben változó viszonya, azok kutatása és különböző megnyilvánulási formáik. A 60-as évek végén határozott, tematikus vonulat jelent meg festészeti munkásságában, amelyet Keserü maga színkutatásnak nevezett el. Mindezzel a korábbi – piros-narancs-rózsaszín orientáltságú – színhasználatát kívánta tágítani, elsősorban a spektrumszínek tartományai felé. Számos festmény témája lett tehát a pigmenttel kikeverhető színek skálája, a színfelbontás és a színek egymásba való átmenetének elemzése, illetve a festékből kikeverhető legnagyobb színintenzitás.

Keserü a 70-es évek elején fedezte fel Goethe nyomán a sokféle árnyalatú bőrszínt, mely harmonikusan ellenpontozza erőteljes színhasználatát. A 2000-es évektől a bőrszín számos művén már mint a festővászon fonákja jelenik meg.

Színkutatásának eddigi utolsó állomása Keserü 2001-es római útjához köthető, amikor is a Sixtus-kápolna mennyezetfreskóinak megtisztított felületein szembesült egy új – ám Michelangelo idejében teljesen általános – festészeti-optikai jelenséggel, a cangiantéval. Lényege szerint nem komplementer vagy harmonikusnak tekintett színpárok kerülnek egymás mellé, hanem a saját fényüket és egymás ragyogását fokozó, nem a logikán, hanem személyes színpreferenciákon alapuló színértékek. Keserü Ilonát ezek a váratlan, harsogó színakkordok, „néha hajmeresztő dolgok”, lilák-kékek, narancsok-zöldek ragadták meg, melyek aztán inspirációként szolgáltak számos művéhez.

Aknai Katalin

A művész további alkotásai »
0991-Szentgroti-David-Aranykek.jpg
Szentgróti Dávid
Aranykék

Szentgróti Dávid

Aranykék

Készült
2018
Technika
akril, pigment, vászon
Méret
191x160 cm
A művész bemutatása

Szentgróti Dávid az ezredforduló után induló nemzedék egyik legkiválóbb absztrakt gesztusfestője, aki a pécsi kolorizmus és nonfigurativitás sok évtizedes hagyományát ápolja. Várkonyi György művészettörténész összefoglalása szerint: „Szentgróti Dávid festményei minden szempontból megfelelnek a »táblakép« időtlen kritériumainak. Ezek a képek magáról a festésről szólnak: az első mozdulatról és döntésről (…), a festék »felhordásának«, a színek keverésének/keveredésének változatos technikai megoldásaiban feszülő, s abból kibontható poétikai lehetőségekről.”

A zalaegerszegi születésű Szentgróti a Pécsi Tudományegyetem Művészeti Karán diplomázott festő szakon 2006-ban, majd itt szerzett DLA-t 2013-ban. A kétezres évek óta gazdagodó életműre elsősorban a pécsi nonfiguratív festői hagyomány hatott, Martyn Ferenc szürrealista formáitól kezdve, Keserü Ilona színgazdag kolorizmusán át, Tolvaly Ernő képszerkesztő logikájáig. Szentgróti kétezres években készült munkáit az élénk színek, az expresszív ecsetkezelés és a gesztusok közé ágyazott figurális motívumok határozták meg. A kétezertízes években festményeinek motívumköre leegyszerűsödött, egyre meghatározóbbá váltak a széles ecsettel felvitt absztrakt gesztusok. A változatos felületkezelésű, nonfiguratív képi világ az évtized vége felé egyre inkább sűrűsödött, miközben a széles ecsetvonások és expresszív felületeket váltogatásának helyét átvette a pigmentekkel kevert akrilfesték, egyre világosabbá, lazúrosan áttetszővé téve a vászonképeket. A vékony rétegekből építkező festmények megidézik a digitális képszerkesztő szoftverek egymásra halmozott layereinek esztétikáját. Bár a spontánnak tűnő gesztusok az informel ösztönös képalkotását idézik, Szentgróti gondosan megtervezett művészi programot követ. Schneller János művészettörténész megfogalmazásában: „A vászon felületén egymásra helyezett festékrétegek, azaz a tudatosan szerkesztett struktúrák kitakarás, transzparencia, vagy elcsúsztatás révén való megmutatása ugyanis a koncepció talán legfontosabb eleme.” A festészeti médium természetére rákérdező művészeti eljárásmód egyszerre ápolja és írja felül a hagyományt. A helyi és az országos színtéren is jelenlévő Szentgróti a Pécsi Művészeti Gimnázium oktatója. Pécsen él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0361-Almasy-Aladar-Aristoteles-gombajat-nyugtalanito-Oda-Refren.jpg
Almásy Aladár
Aristoteles Gombáját nyugtalanitó Oda Refrén

Almásy Aladár

Aristoteles Gombáját nyugtalanitó Oda Refrén

Készült
2018
Technika
akvarell, tus, papír
Méret
57x75,5 cm
A művész bemutatása

Almásy Aladár a hetvenes években pályára lépő grafikusnemzedék egyik karakteres alkotója, akinek rajzos képzőművészeti univerzumát a misztikus lélektani szimbolizmus, a romantikus érzékenység és a nyelvi humor határozza meg. Kívülálló karakterét Szabó Noémi művészettörténész írta körül plasztikusan: „Romantikus-szürrealista eklektikát művel, a jelen kortól távoli álomvilágot épít, tele allűrrel és mégis őszintén.”

A debreceni születésű Almásy 1976-ban fejezte be grafikai tanulmányait a Képzőművészeti Főiskolán. A hetvenes években a Kondor Béla, Gross Arnold, Rékassy Csaba és Würtz Ádám nevével fémjelzett, az előző évtizedet meghatározó, iskolateremtő grafikusnemzedék folytatójaként lépett fel Szemethy Imrével együtt. Elsőként rézkarcokkal, litográfiákkal, aquatinta és mezzotinta technikával készült sokszorosított grafikákkal, valamint tollrajzokkal mutatkozott be. Esztétikai világát a szaggatott, tördelt rajzi fogalmazásmód, az álomszerű, szürreális víziók és a játékos nyelvi humor jellemezte. Számos hazai egyéni kiállításához már ekkor jártul pár nemzetközi tárlat is. Nagy botrányt kiváltó, 1978-as ars poeticája szerint individualista álmodozónak tartotta magát: „Létezésem egyedülálló vizuális formavilág, belső érzelmeknek a meghatározója, ez egy soha el nem kötelezett tiszta kimeríthetetlen világkép.” A nyolcvanas években fokozatosan sodródott a festészet felé, tördelt vonaljátékához felhőszerű színvoltokat társítva. Múltba révedő művészete a századforduló szimbolizmusának költői hangulatát idézte meg, a baudelaire-i metaforikus enigmától Gulácsy Lajos nosztalgikus álomvilágáig. Költői elbeszéléseinek hősei sokszor a kultúrtörténetből kerülnek ki (Széchenyi István, Luther Márton, Zarathustra stb.). A sokféle technikát felölelő életműben az ezredforduló tájékán megjelent a bronzszobor is. Sikeres pályakezdését számos állami kitűntetés kísérte a hetvenes-nyolcvanas években.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0785-Ujhazi-Peter-Arki.jpg
Ujházi Péter
Árki

Ujházi Péter

Árki

Készült
2018
Technika
akril, vászon
Méret
110x110 cm
A művész bemutatása

Ujházi Péter (1940) a kortárs magyar képzőművészeti színtér jellegzetes hangú, meghatározó jelentőségű alkotója. Az 1970-es évek első felében induló művész pályája több mint négy évtizede töretlen: sajátos motívumait, figuráit és helyszíneit a változó stílusirányzatokat nem követve, mindig egyéni útját járva mutatja be a közönségnek. A narrativitást, műveinek alapvetően elbeszélő, vagy ahogyan a művész fogalmaz „kibeszélő” jellegét a munkákon megjelenő szöveges részek, feliratok is erősítik. A művekben tetten érhető játékosság mellett festményeinek sajátos, több nézetből alakított perspektívája és az ebből adódó különös térbeliség adja műveinek jellegzetes karakterét. Ujházi minden egyes műve egy külön kis világba vezeti el a nézőket, ám az alkotó jellegzetes stílusa és elbeszélésmódja minden történetet összefog, legyen szó akár történelmi eseményről, akár egy űrbeli, kozmikussá tágított jelenetről, vagy akár a mindennapi élet kiragadott történéséről. Ez az egységes, ám mégis különlegesen sokszínű életmű teszi Ujházi Pétert a magyar kortárs művészet összetéveszthetetlen szereplőjévé.

A művész további alkotásai »
0784-Ujhazi-Peter-Arki-meggy.jpg
Ujházi Péter
Árki-meggy

Ujházi Péter

Árki-meggy

Készült
2017
Technika
akril, vászon
Méret
110x110 cm
A művész bemutatása

Ujházi Péter (1940) a kortárs magyar képzőművészeti színtér jellegzetes hangú, meghatározó jelentőségű alkotója. Az 1970-es évek első felében induló művész pályája több mint négy évtizede töretlen: sajátos motívumait, figuráit és helyszíneit a változó stílusirányzatokat nem követve, mindig egyéni útját járva mutatja be a közönségnek. A narrativitást, műveinek alapvetően elbeszélő, vagy ahogyan a művész fogalmaz „kibeszélő” jellegét a munkákon megjelenő szöveges részek, feliratok is erősítik. A művekben tetten érhető játékosság mellett festményeinek sajátos, több nézetből alakított perspektívája és az ebből adódó különös térbeliség adja műveinek jellegzetes karakterét. Ujházi minden egyes műve egy külön kis világba vezeti el a nézőket, ám az alkotó jellegzetes stílusa és elbeszélésmódja minden történetet összefog, legyen szó akár történelmi eseményről, akár egy űrbeli, kozmikussá tágított jelenetről, vagy akár a mindennapi élet kiragadott történéséről. Ez az egységes, ám mégis különlegesen sokszínű életmű teszi Ujházi Pétert a magyar kortárs művészet összetéveszthetetlen szereplőjévé.

A művész további alkotásai »
0973-Kondor-Attila-Ars-Memoriae-IV.jpg
Kondor Attila
Ars memoriae IV.

Kondor Attila

Ars memoriae IV.

Készült
2010
Technika
olaj, vászon
Méret
80x100 cm
A művész bemutatása

Kondor Attila az ezredforduló után pályára lépő figurális olajfestészet itáliai tradícióból merítő, metafizikus hangot megütő képviselője. A klasszikus építészet és kerttervezés elemeit hasznosító, meditatív képei alapján animációkat is készít. „A kontemplatív, konceptuális animációk képei a festővásznon és a grafikákon születnek meg, ahol a nyugalom, a csend jelenlétét nemcsak a harmonikus arányok és a nyugtató színek tónusátmenetei érzékeltetik, hanem a festmény síkját szinte felhasító csúcsfények természetfeletti fényt sejtető, jelenésszerű ragyogása is” – írta meditatív alkotói hozzáállásáról Schneller János művészettörténész.

A budapesti születésű Kondor 2000-ben diplomázott képgrafika szakon a Magyar Képzőművészeti Egyetemen. Művészeti nézőpontját már ekkor a tradicionális olajfestészeti metódus és a klasszikus témák keresése jellemezte. Az egyetemi időszak alatt szembe fordult a kilencvenes éveket meghatározó konceptuális művészeti gyakorlattal, és – lázadó gesztusként – plein air tájképeket festett az élesdi vidékről Erdélyben, a tradicionalista festőhallgatókat tömörítő Sensaria Társaság tagjaként. Bár a csoportosulás klasszikus festőisége nagy visszhangot kapott a 2000-es évek elején megerősödő realista tendenciák között, Kondort eltávolította a társaságtól alapvetően filozofikus, szemlélődő karaktere. Meghatározó hatást gyakorolt rá Olaszország, a klasszikus építészet és a hagyományos kerttervezés hazája. Korai festményei ember nélküli, meditációra ingerlő itáliai kastélyparkokat ábrázoltak, tükröződő vízfelületekkel, néma oszlopsorokkal és klasszikus szobrokkal. Ezt követően budapesti épületrészletek töredékeit jelenítette meg vásznain. A realista, szigorú perspektívát követő alapkarakterhez elkenések és izgalmas felületképzés járult. Az évtized végére kiforró festészete markáns, egyéni motívumvilágot talált a maga számára: klasszikus építészetből kiemelt, szimbolikus erejűvé tett kapuzatokkal, lépcsőkkel, márványcsarnokokkal és könyvtárakkal. Kondor filozófiatörténeti koncepciója alapján a kapuk, ablakok és terek arányrendszere megfeleltethető a „kozmosz fenségességének”. A grafikus fehér csíkokkal vagy negatív formákkal kiemelt képi hiátusok a misztérium közelségét jelzik ebben az árkádiai, befelé figyelő világban. Kondor 2013 óta – a folyamatosan születő olajképek mellett – meditatív animációs filmeket is készít festményeinek „nyersanyagából”. Budapesten él és dolgozik.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0958-Kondor-Attila-Asclepion.jpg
Kondor Attila
Asclepion

Kondor Attila

Asclepion

Készült
2021
Technika
olaj, vászon
Méret
70x70 cm
A művész bemutatása

Kondor Attila az ezredforduló után pályára lépő figurális olajfestészet itáliai tradícióból merítő, metafizikus hangot megütő képviselője. A klasszikus építészet és kerttervezés elemeit hasznosító, meditatív képei alapján animációkat is készít. „A kontemplatív, konceptuális animációk képei a festővásznon és a grafikákon születnek meg, ahol a nyugalom, a csend jelenlétét nemcsak a harmonikus arányok és a nyugtató színek tónusátmenetei érzékeltetik, hanem a festmény síkját szinte felhasító csúcsfények természetfeletti fényt sejtető, jelenésszerű ragyogása is” – írta meditatív alkotói hozzáállásáról Schneller János művészettörténész.

A budapesti születésű Kondor 2000-ben diplomázott képgrafika szakon a Magyar Képzőművészeti Egyetemen. Művészeti nézőpontját már ekkor a tradicionális olajfestészeti metódus és a klasszikus témák keresése jellemezte. Az egyetemi időszak alatt szembe fordult a kilencvenes éveket meghatározó konceptuális művészeti gyakorlattal, és – lázadó gesztusként – plein air tájképeket festett az élesdi vidékről Erdélyben, a tradicionalista festőhallgatókat tömörítő Sensaria Társaság tagjaként. Bár a csoportosulás klasszikus festőisége nagy visszhangot kapott a 2000-es évek elején megerősödő realista tendenciák között, Kondort eltávolította a társaságtól alapvetően filozofikus, szemlélődő karaktere. Meghatározó hatást gyakorolt rá Olaszország, a klasszikus építészet és a hagyományos kerttervezés hazája. Korai festményei ember nélküli, meditációra ingerlő itáliai kastélyparkokat ábrázoltak, tükröződő vízfelületekkel, néma oszlopsorokkal és klasszikus szobrokkal. Ezt követően budapesti épületrészletek töredékeit jelenítette meg vásznain. A realista, szigorú perspektívát követő alapkarakterhez elkenések és izgalmas felületképzés járult. Az évtized végére kiforró festészete markáns, egyéni motívumvilágot talált a maga számára: klasszikus építészetből kiemelt, szimbolikus erejűvé tett kapuzatokkal, lépcsőkkel, márványcsarnokokkal és könyvtárakkal. Kondor filozófiatörténeti koncepciója alapján a kapuk, ablakok és terek arányrendszere megfeleltethető a „kozmosz fenségességének”. A grafikus fehér csíkokkal vagy negatív formákkal kiemelt képi hiátusok a misztérium közelségét jelzik ebben az árkádiai, befelé figyelő világban. Kondor 2013 óta – a folyamatosan születő olajképek mellett – meditatív animációs filmeket is készít festményeinek „nyersanyagából”. Budapesten él és dolgozik.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0163-Major-Kamill-Asszir.jpg
Major Kamill
Asszír

Major Kamill

Asszír

Készült
2012-2019
Technika
fa, festék
Méret
175x130 cm
A művész bemutatása

Művészete az 1960-as évek pécsi Lantos-körének gyakorlatából kiindulva Franciaországban vált egyénivé. Jóllehet a Lantos-féle struktúra- és variáció-elvvel szemben renitensnek mutatkozott, a bonyhádi épületzománc-program megvalósításának lehetősége mégis neki köszönhető, és noha Párizsban is minimalista és rendszerelvű képekkel kezdte pályáját, bennük a geometria rejtett és festői, személyes.

A párizsi École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs-ban a képsokszorosítás technikáiból szerzett diplomát. Szitanyomással készített motívum- és képvariációk léptek a korábbi struktúrák helyébe. Mappái (köztük kortárs zenei és irodalmi művek is), grafikai sorozatai közül kiemelkedik Appel című folyamatműve (1980), melyben a szerialitáselv alapján jut el a modern művészet kulcsműveiben (például Malevics Fekete négyzetétől a Fehér négyzet fehérenig) rejlő spiritualitásig. A szerialitás Major technikailag összetett festészetének is az egyik alapja, ami, Hantai Simon mellett dolgozva, hatalmas méretű vásznakra tetszőlegesen elcsúsztatható szitával felvitt, rácsszerkezetű mintázatokban bontakozott ki.

A 80-as évekre munkásságának fő területe az „írás” lett: az akkád és sumér ékírásra emlékező, de egyéni formákkal, azokat tömörítve-ritkítva, valamint egyéni technikával (például fűrésszel) készülnek máig az írásfestmények és reliefek variációi. Bennük a sorokba rendezésen kívül minden véletlenszerű.

1975-ben már önálló kiállítása volt Párizsban, művei megtalálhatók a nagy francia és magyar közgyűjteményekben.

Keserü Katalin

A művész további alkotásai »
0175-Major-Kamill-Asszir.jpg
Major Kamill
Asszír

Major Kamill

Asszír

Készült
2010
Technika
festék, vászon
Méret
90x134x2,5 cm
A művész bemutatása

Művészete az 1960-as évek pécsi Lantos-körének gyakorlatából kiindulva Franciaországban vált egyénivé. Jóllehet a Lantos-féle struktúra- és variáció-elvvel szemben renitensnek mutatkozott, a bonyhádi épületzománc-program megvalósításának lehetősége mégis neki köszönhető, és noha Párizsban is minimalista és rendszerelvű képekkel kezdte pályáját, bennük a geometria rejtett és festői, személyes.

A párizsi École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs-ban a képsokszorosítás technikáiból szerzett diplomát. Szitanyomással készített motívum- és képvariációk léptek a korábbi struktúrák helyébe. Mappái (köztük kortárs zenei és irodalmi művek is), grafikai sorozatai közül kiemelkedik Appel című folyamatműve (1980), melyben a szerialitáselv alapján jut el a modern művészet kulcsműveiben (például Malevics Fekete négyzetétől a Fehér négyzet fehérenig) rejlő spiritualitásig. A szerialitás Major technikailag összetett festészetének is az egyik alapja, ami, Hantai Simon mellett dolgozva, hatalmas méretű vásznakra tetszőlegesen elcsúsztatható szitával felvitt, rácsszerkezetű mintázatokban bontakozott ki.

A 80-as évekre munkásságának fő területe az „írás” lett: az akkád és sumér ékírásra emlékező, de egyéni formákkal, azokat tömörítve-ritkítva, valamint egyéni technikával (például fűrésszel) készülnek máig az írásfestmények és reliefek variációi. Bennük a sorokba rendezésen kívül minden véletlenszerű.

1975-ben már önálló kiállítása volt Párizsban, művei megtalálhatók a nagy francia és magyar közgyűjteményekben.

Keserü Katalin

A művész további alkotásai »
0177-Major-Kamill-Asszir.jpg
Major Kamill
Asszír

Major Kamill

Asszír

Készült
2010
Technika
festék, vászon
Méret
260x350 cm
A művész bemutatása

Művészete az 1960-as évek pécsi Lantos-körének gyakorlatából kiindulva Franciaországban vált egyénivé. Jóllehet a Lantos-féle struktúra- és variáció-elvvel szemben renitensnek mutatkozott, a bonyhádi épületzománc-program megvalósításának lehetősége mégis neki köszönhető, és noha Párizsban is minimalista és rendszerelvű képekkel kezdte pályáját, bennük a geometria rejtett és festői, személyes.

A párizsi École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs-ban a képsokszorosítás technikáiból szerzett diplomát. Szitanyomással készített motívum- és képvariációk léptek a korábbi struktúrák helyébe. Mappái (köztük kortárs zenei és irodalmi művek is), grafikai sorozatai közül kiemelkedik Appel című folyamatműve (1980), melyben a szerialitáselv alapján jut el a modern művészet kulcsműveiben (például Malevics Fekete négyzetétől a Fehér négyzet fehérenig) rejlő spiritualitásig. A szerialitás Major technikailag összetett festészetének is az egyik alapja, ami, Hantai Simon mellett dolgozva, hatalmas méretű vásznakra tetszőlegesen elcsúsztatható szitával felvitt, rácsszerkezetű mintázatokban bontakozott ki.

A 80-as évekre munkásságának fő területe az „írás” lett: az akkád és sumér ékírásra emlékező, de egyéni formákkal, azokat tömörítve-ritkítva, valamint egyéni technikával (például fűrésszel) készülnek máig az írásfestmények és reliefek variációi. Bennük a sorokba rendezésen kívül minden véletlenszerű.

1975-ben már önálló kiállítása volt Párizsban, művei megtalálhatók a nagy francia és magyar közgyűjteményekben.

Keserü Katalin

A művész további alkotásai »
0178-Major-Kamill-Asszir___csere-178-es-179___20211211.jpg
Major Kamill
Asszír

Major Kamill

Asszír

Készült
2013
Technika
festék, vászon
Méret
265x471 cm
A művész bemutatása

Művészete az 1960-as évek pécsi Lantos-körének gyakorlatából kiindulva Franciaországban vált egyénivé. Jóllehet a Lantos-féle struktúra- és variáció-elvvel szemben renitensnek mutatkozott, a bonyhádi épületzománc-program megvalósításának lehetősége mégis neki köszönhető, és noha Párizsban is minimalista és rendszerelvű képekkel kezdte pályáját, bennük a geometria rejtett és festői, személyes.

A párizsi École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs-ban a képsokszorosítás technikáiból szerzett diplomát. Szitanyomással készített motívum- és képvariációk léptek a korábbi struktúrák helyébe. Mappái (köztük kortárs zenei és irodalmi művek is), grafikai sorozatai közül kiemelkedik Appel című folyamatműve (1980), melyben a szerialitáselv alapján jut el a modern művészet kulcsműveiben (például Malevics Fekete négyzetétől a Fehér négyzet fehérenig) rejlő spiritualitásig. A szerialitás Major technikailag összetett festészetének is az egyik alapja, ami, Hantai Simon mellett dolgozva, hatalmas méretű vásznakra tetszőlegesen elcsúsztatható szitával felvitt, rácsszerkezetű mintázatokban bontakozott ki.

A 80-as évekre munkásságának fő területe az „írás” lett: az akkád és sumér ékírásra emlékező, de egyéni formákkal, azokat tömörítve-ritkítva, valamint egyéni technikával (például fűrésszel) készülnek máig az írásfestmények és reliefek variációi. Bennük a sorokba rendezésen kívül minden véletlenszerű.

1975-ben már önálló kiállítása volt Párizsban, művei megtalálhatók a nagy francia és magyar közgyűjteményekben.

Keserü Katalin

A művész további alkotásai »
0791-Veszely-Ferenc-Aszuszemek.jpg
Veszely Ferenc
Aszúszemek

Veszely Ferenc

Aszúszemek

Készült
2005
Technika
olaj, vászon
Méret
120x200 cm
A művész bemutatása

Veszely Ferenc (1946) 1968-ban végzett a Magyar Képzőművészeti Főiskolán, mesterei Barcsay Jenő, Kádár György és Konecsni György voltak. Alkotói sokrétűségét mutatja, hogy egyszerre foglalkozik festészettel, fotográfiával, grafikával, illetve szcenikával. Alapítótagja volt a Makói Grafikai Művésztelepnek, művészeti vezetője a Budavár Alkotóközösségnek (1986-1993) és a Magyar Iparművészeti Főiskola oktatójaként és tanfolyamvezetőjeként is dolgozott. Festményei közgyűjteményekben, többek között a Magyar Nemzeti Galériában is, valamint magángyűjteményekben is megtalálhatóak. Napjainkban a Kelenhegyi úti és dörgicsei műtermében felváltva dolgozik. Veszely bravúrosan fest, technikája kiemelkedő. Alkotásmódjára már az 1970-es évektől markáns műfajkritikus szemlélet volt jellemző, amely különös érzékenységgel reagál a tömegkultúra és a magasművészet kapcsolatára, a média új képalkotási stratégiáira, valamint a modern képtípusok és a hagyományos képzőművészeti műfajok ötvözésére. Korunk képalkotási gyakorlatának és technológiáinak társadalmi-ideológiai-szociális vetületeit vizsgálja, valamint vizuális kultúránk kollektív szimbólumteremtési folyamatait elemzi. A modern média, valamint a tömegkulturális jelenségekhez fűződő szoros viszonya miatt, művészete a pop-art jegyeit viseli magán, mely műfaji sokszínűségében, illetve egyedi tematikájában is tetten érhető. Ilyen műfaji sajátosság a kollázs, a montázs, valamint a talált tárgyak alkalmazása mellett a nézőpontok és az extrém beállítások sajátos megválasztása, tematikájában pedig gyakran bukkannak fel különböző művészettörténeti toposzok, zsánerek, valamint konkrét alkotások egyaránt. Az MNB gyűjteményben lévő alkotásai több csoportba sorolhatók. A 2003 és 2005 között készült munkáiban az érzékelés határait feszegeti, nevezetesen a nagyítás lehetőségeivel kísérletezve, a művész túldimenzionálja, extrém arányúra növeli a fürtök, szőlőszemek méretét, mely által a motívumok kiemelkednek eredeti kontextusukból, s a természetes méretüktől – és így közegüktől – megfosztott „gyümölcsök” a tömegmédia talmi csillogásának áldozataivá lesznek. A kollekcióban szereplő későbbi, 2010 és 2017 között készült alkotásaival a „régi” és az „új” viszonyát tanulmányozza a művész. Hagyományos képtípusokat, témákat, illetve művészettörténeti utalásokat felhasználva megszünteti, újrateremti és átformálja, mindezzel pedig a jelen dinamizmusába helyezi az adott klasszikus műveket körüllengő, már megkövesedett sztereotípiákat. Montázsszerű művein formahűen másolja, idézi a klasszikusokat, de közben el is tér azoktól. Az eredeti alkotás így nem szűnik meg, viszont „áttér” egy másik idődimenzióba, miáltal kitágítja a régvolt értelmét, s megteremti önmaga továbbélésének lehetőségét.

A művész további alkotásai »
0904-Cseke-Szilard-At-a-melysegen.jpg
Cseke Szilárd
Át a mélységen

Cseke Szilárd

Át a mélységen

Készült
2019
Technika
olaj, lakk, vászon
Méret
130x130 cm
A művész bemutatása

Cseke Szilárd a kilencvenes években pályára lépett nemzedék egyik népszerű alkotója, aki élénk színeket használó, dekoratív erdő-festményeivel és kinetikus installációival vált itthon és a nemzetközi színtéren ismertté. Festői látásmódját Révész Emese a kétezres évek jellegzetes attitűdjeként elemezte: „Cseke festői magatartása egyúttal generációs hitvallás is, amelynek alapvető gondolata a festői szépség rehabilitálása, az »örömfestészet« dacos felvállalása. A festő régi szerepköréhez visszatérve élményteremtő illuzionista, képe pedig egyúttal relaxációs és meditációs objektum.”

A Pápán született Cseke Szilárd a pécsi egyetem Képzőművészeti Karán, majd Főiskoláján tanult a rendszerváltás idején. Előbb műanyagból, autógumiból és ventilátorból szerkesztett mobil műveket, majd monokróm csendéleteket, illetve story board-szerű jeleneteket festett elomló ecsetkezeléssel. Karakteres stílusvilágára a kétezres évek elején talált rá, az ezredfordulón kialakuló, digitális kép-alapú új festészeti fősodor egyik markáns képviselőjeként. A 2002-től kiforró, derűs hangulatú, dekoratív korszaka az erdei fák és az égbolt romantikus, szimbolikus kettősét elemezte a digitális optikai tapasztalat utáni világban. A fotó alapú látványt rétegeire bontotta, majd fokról-fokra építette fel a képteret, változatos faktúrát teremtve. Helyenként visszakaparta vagy visszacsiszolta a felkent, felfestett, folyatott-csurgatott, pöttyögetett olaj-, akril-, zománc- és lakkfestéket. A különböző minőségű és megmunkáltságú, gazdag felületek a digitális képkészítés és a hagyományos képzőművészet konceptuális kérdésköreit is feszegették. Hornyik Sándor művészettörténész megállapítása szerint: „a festmény egésze távolról digitalizált fotó hatását kelti, közelről azonban feltárul az »alap« összetettsége, a zöld foltok nem pixelekre esnek szét, hanem finom ecsetvonásokká szerveződnek. (…) A végeredményben az az izgalmas, hogy egyszerre festői és hipermodern. A téma sablonossága abszolút másodlagossá válik, a technikai összetettség azonban kiválóan működik.” Az emblematikus erdő-festmények után Cseke visszatért az életképszerű kompozíciókhoz, majd – társadalmi viszonyokat elemző ̶ motorokkal ellátott, kinetikus, konceptuális installációkat épített. Legnagyobb installációs együttese Fenntartható Identitások címmel a Velencei Biennále magyar pavilonjában mutatkozott be 2015-ben. A folyamatosan új technikákkal kísérletező életműben 2020 környékén – a pandémia által megváltoztatott városi életmódhoz igazodva – újra megjelentek a természetbe visszavágyó erdő-festmények, víziószerű élénk színekkel megjelenítve. Cseke Budapesten él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0498-Maurer-Dora-Athallasok.jpg
Maurer Dóra
Áthallások

Maurer Dóra

Áthallások

Készült
2008
Technika
olajpasztel, papír
Méret
70x100 cm
A művész bemutatása

Maurer Dóra festészete bár látszólag konstruktív-konkrét művészeti tendenciákhoz kapcsolódik, valójában sokkal inkább egy belső, koherens logikára épülő alkotói tevékenység mentén érthető meg: a több mint öt évtizedet felölelő életmű mediális szempontból igen sokrétű, mégis a mozgás és az eltolódás vizsgálatának központi gondolata köré szerveződik. A hatvanas évektől kezdve készített grafikáiban ugyanúgy egységes gondolatként van jelen a szándék e folyamatok vizsgálatára és láthatóvá tételére, mint a hetvenes évek képzőművészeti fotóhasználatában, majd az utóbbi évek festészeti munkásságában is. 

Maurer művészete a nyolcvanas évektől egyre inkább a táblaképfestészet felé tolódott el: ekkoriban több eltérő színű geometrikus vonalhálót festett meg, majd ezeket egymáshoz képest síkban eltolta. A raszterhálót később formázott alap felhasználásával jelenítette meg a Quod Libet-sorozat darabjain. A vonalhálózatot az 1983-ban befejezett Buchberg-projekt során a térbe is kivetítette, a munka közben észlelte, hogy a teremben megjelenő különböző fény- és megvilágítási viszonyok hatására a színpercepció is folyamatosan változik. A nyolcvanas-kilencvenes évek fordulójától különböző hideg-meleg tónusok révén többek között ezt a jelenséget is kihasználta festménysorozatainak elkészítésekor. Maurer festészete – éppúgy, mint egész képzőművészeti munkássága – az emberi érzékelési képességet tematizálja, és ennek a megismerési folyamatnak a láthatóvá tételére tesz kísérletet.

Rátkai Zsófia 

A művész további alkotásai »
0499-Maurer-Dora-Athallasok.jpg
Maurer Dóra
Áthallások

Maurer Dóra

Áthallások

Készült
2005
Technika
olajpasztel, papír
Méret
70x100 cm
A művész bemutatása

Maurer Dóra festészete bár látszólag konstruktív-konkrét művészeti tendenciákhoz kapcsolódik, valójában sokkal inkább egy belső, koherens logikára épülő alkotói tevékenység mentén érthető meg: a több mint öt évtizedet felölelő életmű mediális szempontból igen sokrétű, mégis a mozgás és az eltolódás vizsgálatának központi gondolata köré szerveződik. A hatvanas évektől kezdve készített grafikáiban ugyanúgy egységes gondolatként van jelen a szándék e folyamatok vizsgálatára és láthatóvá tételére, mint a hetvenes évek képzőművészeti fotóhasználatában, majd az utóbbi évek festészeti munkásságában is. 

Maurer művészete a nyolcvanas évektől egyre inkább a táblaképfestészet felé tolódott el: ekkoriban több eltérő színű geometrikus vonalhálót festett meg, majd ezeket egymáshoz képest síkban eltolta. A raszterhálót később formázott alap felhasználásával jelenítette meg a Quod Libet-sorozat darabjain. A vonalhálózatot az 1983-ban befejezett Buchberg-projekt során a térbe is kivetítette, a munka közben észlelte, hogy a teremben megjelenő különböző fény- és megvilágítási viszonyok hatására a színpercepció is folyamatosan változik. A nyolcvanas-kilencvenes évek fordulójától különböző hideg-meleg tónusok révén többek között ezt a jelenséget is kihasználta festménysorozatainak elkészítésekor. Maurer festészete – éppúgy, mint egész képzőművészeti munkássága – az emberi érzékelési képességet tematizálja, és ennek a megismerési folyamatnak a láthatóvá tételére tesz kísérletet.

Rátkai Zsófia 

A művész további alkotásai »
0997-Horvath-Loczi-Judit-Athatasok.jpg
Horváth Lóczi Judit
Áthatások

Horváth Lóczi Judit

Áthatások

Készült
2007
Technika
akril, vászon
Méret
3 darabból áll, egyenként 70x50 cm
A művész bemutatása

Horváth Lóczi Judit tájépítészként diplomázott, majd a Budapesti Műszaki Egyetemen szerzett színdinamikai szakmérnöki másoddiplomát. 2011 és 2014 között a Budapesti Metropolitan Egyetemen végezte el a képi ábrázolás szakot. 2019-ben elnyerte az amerikai Pollock-Krasner Foundation ösztöndíját. 2022-ben a Kassák Művészeti Díj finalistája.

Horváth Lóczi Judit munkássága a konstruktív-geometrikus hagyományhoz kapcsolódik, egyéni látásmódjával egy újszerű (női) érzékenységet képvisel a magyar képzőművészeti színtéren. Eddigi életműve tematikailag összekapcsolódó, formailag pedig folyamatosan új utakat kereső festmény- és objekt-sorozatokból áll, melyekkel festészet és szobrászat lehetséges találkozási pontjait kutatja. Alkotásai a síkbeliséget és a térbeliséget összemosva teremtik meg azt a sajátos vizuális nyelvezetet, amely az absztraháláson, a geometrián, a dinamikán és a ritmikán alapszik. Horváth térbeli kiterjedéssel rendelkező festményeinek hordozói előre megtervezett és formázott vászon konstrukciók, melyek mértani merevségét az élénk színhasználat és az intuitív alkotásmód ellensúlyozza. A hagyományos anyagok mellett művészetének egyik ismérve a szokatlan, extrém tárgyak hordozóként való alkalmazása. Munkáit általában élethelyzetek vagy személyes történetek inspirálják, melyeket egyszerű formákból építkező geometrikus kompozíciókkal jelenít meg. Olyan intim, mégis általános érvényű élettapasztalatoknak ad hangot, mint az anyává válás vagy a gyereknevelés mindennapi nehézségei, ahogy ő maga fogalmaz, „minden alkotás egy-egy naplóbejegyzés.”

Popovics Viktória

A művész további alkotásai »
0494-Maurer-Dora-Athatasok.jpg
Maurer Dóra
Áthatások

Maurer Dóra

Áthatások

Készült
2000
Technika
akril, fa
Méret
38x37,5 cm
A művész bemutatása

Maurer Dóra festészete bár látszólag konstruktív-konkrét művészeti tendenciákhoz kapcsolódik, valójában sokkal inkább egy belső, koherens logikára épülő alkotói tevékenység mentén érthető meg: a több mint öt évtizedet felölelő életmű mediális szempontból igen sokrétű, mégis a mozgás és az eltolódás vizsgálatának központi gondolata köré szerveződik. A hatvanas évektől kezdve készített grafikáiban ugyanúgy egységes gondolatként van jelen a szándék e folyamatok vizsgálatára és láthatóvá tételére, mint a hetvenes évek képzőművészeti fotóhasználatában, majd az utóbbi évek festészeti munkásságában is. 

Maurer művészete a nyolcvanas évektől egyre inkább a táblaképfestészet felé tolódott el: ekkoriban több eltérő színű geometrikus vonalhálót festett meg, majd ezeket egymáshoz képest síkban eltolta. A raszterhálót később formázott alap felhasználásával jelenítette meg a Quod Libet-sorozat darabjain. A vonalhálózatot az 1983-ban befejezett Buchberg-projekt során a térbe is kivetítette, a munka közben észlelte, hogy a teremben megjelenő különböző fény- és megvilágítási viszonyok hatására a színpercepció is folyamatosan változik. A nyolcvanas-kilencvenes évek fordulójától különböző hideg-meleg tónusok révén többek között ezt a jelenséget is kihasználta festménysorozatainak elkészítésekor. Maurer festészete – éppúgy, mint egész képzőművészeti munkássága – az emberi érzékelési képességet tematizálja, és ennek a megismerési folyamatnak a láthatóvá tételére tesz kísérletet.

Rátkai Zsófia 

A művész további alkotásai »
0816-Aatoth-Franyo-Athatolhatatlan.jpg
Aatoth Franyo
Áthatolhatatlan

Aatoth Franyo

Áthatolhatatlan

Készült
2012
Technika
olaj, vászon
Méret
195x97 cm
A művész bemutatása

Aatoth Franyo a nyolcvanas évekbeli újfestészet neodadaista hagyományát ápoló alkotóművész, akinek utazó, bohém világpolgárként megszülető életművét különféle országok kultúrája termékenyítette meg. Gerlóczy Márton meghatározásával „világhírtől tartózkodó világhírű festőművész”, saját szavaival élve viszont „exhibicionista”, hiszen „valamit meg akar mutatni” magából mindig.

A nyíregyházi születésű, „aatoth franyo” művésznéven alkotó Tóth István Ferenc vegyésztechnikusnak készült, de végül a képzőművészeti pályát választotta a hetvenes években. Victor Vasarely révén jutott ki Párizsba 1978-ban, ahol az École Supérieure des Beaux-Arts-on szerzett diplomát. Világutazó művészként élt és dolgozott több nyugati országban, valamint egzotikus vidékeken, Észak-Afrikában, Mongóliában és Thaiföldön. Kiforrott művészete a nyolcvanas évek franciaországi új festészetéből, a figuration libre naiv figuralitásából, az utcai graffitik spontán esztétikájából és a neodadaizmus szertelen szellemiségéből táplálkozott. Korai festményeinek komor színeit a kilencvenes évek elején – mongóliai tartózkodása hatására – az emblematikus bordós vörös váltotta fel, ami olyan hagyományos jelentéssíkokat olvaszt magába, mint a tűz, vér, szerelem, pokol, láng, forradalom vagy az erős fűszerek. Az expresszív ecsetkezeléssel megfogalmazott vörös terekben groteszk, gyerekrajz szerű figurák és motívumok jelentek meg. A gyakran abszurd, humoros vagy filozofikus tartalmakat magyar, franca vagy angol nyelven írt szövegek egészítik ki. Aatoth Franyo művészete 2010 körül fokozatosan fordult új irányba: a művész a thaiföldi dzsungel mélyén alakított ki magának műtermet, ahol személyes élményévé vált a végtelen esőerdőt eltörlő civilizáció romboló hatása. Ettől kezdve születő munkáin a dús vegetáció arabeszk gesztusokként, kalligrafikus jelekként jelenik meg, absztrahálva a tubusból közvetlen a vászonra nyomott festékfoltokat. Bohém életművében – a domináns festészet mellett – szerepel egy utazóknak szóló kézikönyv, valamint animációk, objektek és installációk is. Munkái megtalálhatók számos nemzetközi közgyűjteményben, az ulánbátori Modern Művészeti Galériától a párizsi Bibliothèque Nationale-ig. Párizsban, illetve Thaiföldön él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0577-Konok-Tamas-Atirt-piramis.jpg
Konok Tamás
Átírt piramis

Konok Tamás

Átírt piramis

Készült
2002
Technika
akril, vászon
Méret
150x150 cm
A művész bemutatása

Konok Tamás Bernáth Aurél tanítványaként 1948–1953 között végezte festészeti tanulmányait a Magyar Képzőművészeti Főiskolán. 1959-ben Párizsba emigrált; elszakadt a természetelvű festészettől, és a hetvenes évektől kialakította saját, lírai geometrikus stílusát, amelyben fontos szerepet kap az érzékeny vonalrajz. Első önálló kiállítását a párizsi Galerie Lambert rendezte 1960-ban. A hetvenes évektől feleségével, Hetey Katalin szobrászművésszel felváltva élt Párizsban és Zürichben. Szoros együttműködést alakított ki a zürichi Schlégl Galériával, rendszeresen kiállított francia, svájci, holland és svéd galériákban és múzeumokban. 1980-ban tért vissza önálló kiállításával Magyarországra, majd a kilencvenes évektől egyre többet tartózkodott és dolgozott Budapesten. 

Festészete a valóságon túli, transzcendens, időtlen tartalmak megragadására tett kísérletet: a világegyetemet működtető erőket, energiákat, viszonyrendszereket kívánta ábrázolni konkrét, geometrikus formáival és vonalrendszereivel. Művészetére hatással voltak zenei tanulmányai, így műveiben tetten érhető a megszólaltatás tökéletességére, a ritmikára, a vonalvezetésre való odafigyelés. Elkötelezte magát az „apollonisztikus” művészetfelfogás – a világos kompozíció, az architektonikus képszerkezet – mellett, hét évtizedes pályafutása alatt tudatosan törekedett festészete megújítására is. Kis méretű kollázsokból kiinduló festészeti kísérletei többek között új képstruktúrákban és motívumokban, illetve színvilágának dinamikus változásaiban érhetők tetten.

Szipőcs Krisztina

A művész további alkotásai »
0491-Maurer-Dora-Atjaras-3.jpg
Maurer Dóra
Átjárás 3.

Maurer Dóra

Átjárás 3.

Készült
2002
Technika
akril, fa
Méret
90x70x3 cm
A művész bemutatása

Maurer Dóra festészete bár látszólag konstruktív-konkrét művészeti tendenciákhoz kapcsolódik, valójában sokkal inkább egy belső, koherens logikára épülő alkotói tevékenység mentén érthető meg: a több mint öt évtizedet felölelő életmű mediális szempontból igen sokrétű, mégis a mozgás és az eltolódás vizsgálatának központi gondolata köré szerveződik. A hatvanas évektől kezdve készített grafikáiban ugyanúgy egységes gondolatként van jelen a szándék e folyamatok vizsgálatára és láthatóvá tételére, mint a hetvenes évek képzőművészeti fotóhasználatában, majd az utóbbi évek festészeti munkásságában is. 

Maurer művészete a nyolcvanas évektől egyre inkább a táblaképfestészet felé tolódott el: ekkoriban több eltérő színű geometrikus vonalhálót festett meg, majd ezeket egymáshoz képest síkban eltolta. A raszterhálót később formázott alap felhasználásával jelenítette meg a Quod Libet-sorozat darabjain. A vonalhálózatot az 1983-ban befejezett Buchberg-projekt során a térbe is kivetítette, a munka közben észlelte, hogy a teremben megjelenő különböző fény- és megvilágítási viszonyok hatására a színpercepció is folyamatosan változik. A nyolcvanas-kilencvenes évek fordulójától különböző hideg-meleg tónusok révén többek között ezt a jelenséget is kihasználta festménysorozatainak elkészítésekor. Maurer festészete – éppúgy, mint egész képzőművészeti munkássága – az emberi érzékelési képességet tematizálja, és ennek a megismerési folyamatnak a láthatóvá tételére tesz kísérletet.

Rátkai Zsófia 

A művész további alkotásai »
0957-Kondor-Attila-Atjaro.jpg
Kondor Attila
Átjáró

Kondor Attila

Átjáró

Készült
2019
Technika
olaj, vászon
Méret
100x120 cm
A művész bemutatása

Kondor Attila az ezredforduló után pályára lépő figurális olajfestészet itáliai tradícióból merítő, metafizikus hangot megütő képviselője. A klasszikus építészet és kerttervezés elemeit hasznosító, meditatív képei alapján animációkat is készít. „A kontemplatív, konceptuális animációk képei a festővásznon és a grafikákon születnek meg, ahol a nyugalom, a csend jelenlétét nemcsak a harmonikus arányok és a nyugtató színek tónusátmenetei érzékeltetik, hanem a festmény síkját szinte felhasító csúcsfények természetfeletti fényt sejtető, jelenésszerű ragyogása is” – írta meditatív alkotói hozzáállásáról Schneller János művészettörténész.

A budapesti születésű Kondor 2000-ben diplomázott képgrafika szakon a Magyar Képzőművészeti Egyetemen. Művészeti nézőpontját már ekkor a tradicionális olajfestészeti metódus és a klasszikus témák keresése jellemezte. Az egyetemi időszak alatt szembe fordult a kilencvenes éveket meghatározó konceptuális művészeti gyakorlattal, és – lázadó gesztusként – plein air tájképeket festett az élesdi vidékről Erdélyben, a tradicionalista festőhallgatókat tömörítő Sensaria Társaság tagjaként. Bár a csoportosulás klasszikus festőisége nagy visszhangot kapott a 2000-es évek elején megerősödő realista tendenciák között, Kondort eltávolította a társaságtól alapvetően filozofikus, szemlélődő karaktere. Meghatározó hatást gyakorolt rá Olaszország, a klasszikus építészet és a hagyományos kerttervezés hazája. Korai festményei ember nélküli, meditációra ingerlő itáliai kastélyparkokat ábrázoltak, tükröződő vízfelületekkel, néma oszlopsorokkal és klasszikus szobrokkal. Ezt követően budapesti épületrészletek töredékeit jelenítette meg vásznain. A realista, szigorú perspektívát követő alapkarakterhez elkenések és izgalmas felületképzés járult. Az évtized végére kiforró festészete markáns, egyéni motívumvilágot talált a maga számára: klasszikus építészetből kiemelt, szimbolikus erejűvé tett kapuzatokkal, lépcsőkkel, márványcsarnokokkal és könyvtárakkal. Kondor filozófiatörténeti koncepciója alapján a kapuk, ablakok és terek arányrendszere megfeleltethető a „kozmosz fenségességének”. A grafikus fehér csíkokkal vagy negatív formákkal kiemelt képi hiátusok a misztérium közelségét jelzik ebben az árkádiai, befelé figyelő világban. Kondor 2013 óta – a folyamatosan születő olajképek mellett – meditatív animációs filmeket is készít festményeinek „nyersanyagából”. Budapesten él és dolgozik.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0111-Nadler-Istvan-Atlo-II.jpg
Nádler István
Átló II.

Nádler István

Átló II.

Készült
2008
Technika
kazeintempera, vászon
Méret
200x150 cm
A művész bemutatása

Nádler István 1938-ban született Visegrádon. 1958–1963 között a budapesti Képzőművészeti Főiskolán végezte tanulmányait, mestere Hincz Gyula volt. Tagja volt a Zuglói Körnek; Molnár Sándor lakásán progresszív kortársaival a legújabb nemzetközi törekvéseket tanulmányozták. Részt vett 1968-1969-ben az Iparterv-kiállításokon. A kezdetben gesztusfestményeket készítő Nádler figyelme a hatvanas évek végén fordult a hard-edge, valamint a minimal art felé. Szemben azonban Bak Imrével, struktúraelvű, geometrikus festészete csak rövid ideig építkezett a különböző archaikus kultúrák, valamint a népi motívumkincs sematikus rendszereiből. Homogén színmezőkre, dinamikus képszerkezetekre, „személytelen” struktúrákra épülő alkotásaira harsány színviszonylatok voltak jellemzőek a hetvenes években. Képein olyan rendszerek jöttek létre, melyeknek minden eleme egy sajátos mozgásképességgel, mozgáskarakterrel rendelkezett. Nádler a nyolcvanas években egy látszólag hirtelen fordulattal visszatért a hatvanas évek gesztusfestészetéhez. A spontán festői improvizáció, a véletlenszerűség és a pillanatnyiság került az előtérbe képein. A mű egy sugárzó energiaközponttá vált számára, mely nem egy előre megtervezett gondolati-logikai folyamatot dokumentál, hanem inkább létállapotot közvetít.

Kaszás Gábor

A művész további alkotásai »
0654-Fajo-Janos-Atlok.jpg
Fajó János
Átlók

Fajó János

Átlók

Készült
1998
Technika
olaj, fa
Méret
250x80 cm
A művész bemutatása

Fajó János a magyar konstruktív geometrikus művészet egyik vezéralakja. Kitartó, több évtizedes munkássága alatt egyedülálló szigorral kutatta az empirikus és geometriai jelenségeket. Ismétlődő elemekből álló struktúrákkal és azok variációival foglalkozott – formai kísérletei grafikai munkák, szitanyomatok, festmények, fali objektek és szobrok formájában maradt ránk.

Műveinek könnyen felismerhető, rendezett vizuális világa a lehető legletisztultabb képiségen keresztül mutat rá a világ szín- és formatárának kimeríthetetlenségére. Az általa használt egyszerű síkformák mozgatásával szimmetriát, aszimmetriát, a mozgás végtelen variációját, ritmust és dinamizmust teremtett.

Fajó János 1961-ben diplomázott az Iparművészeti Főiskolán. 1971-ben megalapítja a neves neoavantgárd csoportot, a Pesti Műhelyt, amely sokszorosított grafikák kiadásával foglalkozik a művészet demokratizálásának céljával. Kiadói tevékenysége mellett évtizedekig szabadiskolát vezet és a Józsefvárosi Galéria vezetőjeként kiállításokat szervez. 1985-ben megkapja a Munkácsy-díjat, 2008-ban a Kossuth-díjat. 1989-től tanít az Iparművészeti Egyetemen. 2016-ban a Széchenyi Irodalmi és Művészeti Akadémia tagjává választják. Művei olyan jelentős hazai és nemzetközi múzeumi gyűjteményekben láthatók, mint a Ludwig Múzeum, a Magyar Nemzeti Galéria, a bécsi Albertina, a grazi Neue Galerie am Landesmuzeum, a zürichi Haus Konkrete vagy a moszkvai Moderne Museum, emellett fontos hazai és nemzetközi magángyűjteményekben is.

Sárvári Zita

A művész további alkotásai »