mnbarts_logo_header

Kulturális értéket közvetítünk

Gyűjtemény

1382 Knyih†r Bence - Pinty no.2
Knyihár Bence
Pinty no. 2

Knyihár Bence

Pinty no. 2

Készült
2015
Technika
olaj, vászon
Méret
156x208,5 cm
A művész bemutatása

A Pécsi Tudományegyetem Művészeti karán 2011-ben szerezte meg diplomáját Knyihár Bence. 2016 óta az Artus Kortárs Művészeti Stúdió tagja, rendszeres kiállítója. Művészetében két alkotói fázis különíthető el, amelyek bár azonos festői eljárásból táplálkoznak, a 2018-ban megtalált, markánsan kolorista látásmódú ecsetkezelés tartalmilag egy teljesen új kompozíciós elv mentén szerveződik. Szél (2014) és a Pinty no. 2 (2015) színkezelésükben és technikájukban inkább még egy bizonyos kísérletező parafrázisok érzését kelthetik a befogadóban. Míg előbbin egy gyors, rövid kontaktust engedélyező gesztusfestészeti szekvenciák tobzódása figyelhető meg, addig utóbbi felidézheti Gerhard Richter Karmincímű munkájának színabsztrakcióját és annak Vermalung technikáját. Itt a felülfestés és életlenítés gyakorlata hangsúlyosabb szerepet játszott, az absztrakt színmezők összemosása azok véletlenszerű keveredését okozza, a korábbi festékréteg simítókéssel való visszaszedése pedig a vászon archeológiai feltárását nyújtja, ezzel számtalan haptikus réteg- és felületsíkot eredményezve.

Knyihár Bence 2023 nyarán mutatta be Átfedések című tárlatán legújabb, a hatvanas évek egyik meghatározó, olasz festészeti – Alberto Fiz által ismét a jelen diskurzusába emelt – mozgalmának, a Pittura Analitica égisze alatt született munkáit. Ez az analitikus megközelítés a festészet alkotóelemeit (vászon, keret, anyag, szín és jel) és azok egymáshoz való viszonyrendszerét, valamint a mű mint fizikai tárgy és alkotója közötti metabolikus (mint anyagcsere és információáramlás) élményt nyújtó kontaktust vizsgálja, a tiszta, abszolút létállapot feltárását tűzte ki célul. Orchids 1–4. (2022) című sorozat a komplementer színterek, egyben a névadó orchidea virág kontúrjának, pozitív-negatív formáinak egyenrangú ütköztetését viszi színre, miközben egyfajta mozgalmasságot is ad neki az alkotó a vászon vakrámára való, enyhén elcsúsztatott felfeszítésével. Knyihár ugyanakkor belejátssza a képi megalkotásba a virág nómenklatúráját is: az ókori hit szerint afrodiziákum. A nemes szépséget, értékességet szimbolizálja általánosságban, kék színnel párosítva ugyanakkor itt az abszolút ritkaságot, a Pittura-Pittura (festészet-festészet) áhított esszenciáját jelöli.

Szabó Annamária

A művész további alkotásai »
0248
Gross Arnold
Művészek

Gross Arnold

Művészek

Készült
1980 körül
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
6x10 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
0887-Kusovszky-Bea-Szivarvanyszurkek-IX.jpg
Kusovszky Bea
Szivárványszürkék IX.

Kusovszky Bea

Szivárványszürkék IX.

Készült
2021
Technika
akril, vászon
Méret
100x80 cm
A művész bemutatása

Kusovszky Bea festőművész Budapesten él és dolgozik. A Magyar Képzőművészeti Egyetemen szerzett festőművészi diplomát, és az Universitat de València festészet és animáció szakán tanult. Számos egyéni és csoportos kiállításon vett részt, jelenleg a VILTIN Galéria képviseli Magyarországon.

Kusovszky Bea művészeti gyakorlatában a művészettörténet különböző korszakainak képi minőségeit és optikai paramétereit elemzi. Ez az érdeklődés az erőteljes figurativitástól az absztrakció különböző narratíváinak dekonstrukciója és újjászervezése felé vezette, miközben folyamatosan fenntartotta technikai perfekcionizmusát és a kép ontológiájának megkérdőjelezése iránti elkötelezettségét. Kusovszky sorozatokba rendeződő festményciklusain keresztül különböző vizuális jelenségeket vizsgál a művészet, a tudomány és a populáris vizualitás határán: olykor a newtoni színspektrumra vagy a színes szürkék sajátos esztétikájára utal, máskor az ikonikus Ben-Day pöttyök op-artos környezetében kontextualizálja újra a festészetet, olyan összetett keretszerkezetek felállításával, amelyek a felületet digitális képernyőként vagy kapcsolótáblaként képzelik újra. Ezáltal egyszerre nosztalgikus és technoutópisztikus víziókat körvonalaz, amelyek a néző figyelmét a festmény identitására irányítják. Képzőművészeti gyakorlatára a jelentős elődök munkássága is hatással volt, így Roy Lichtenstein, Bridget Riley vagy a magyar művészeti szcénából Hencze Tamás, Nádler István vagy Bullás József is hatott képi gondolkodásmódjára. Referenciális, relativista szemlélete különböző értelmezési mezőket bont ki, melyben a benjamini „auráról”, vagy éppen a posztmodern intertextuális metastruktúráiról is elmélkedhet a néző. A fiatal generáció tagjaként a digitális vizualitás kortárs tapasztalatai is hatással vannak rá. Kusovszky azonban munkáin keresztül ezeket a benyomásokat olyan komplex, mechanikus és manuális módszerekkel kivitelezett vizuális rendszerekké desztillálja, amelyek a festészet alapvető egységeit tárják fel: az anyagot, a hordozót és a képet mint tárgyat.

Tayler Patrick

A művész további alkotásai »
0186
Gross Arnold
A természet játéka

Gross Arnold

A természet játéka

Készült
1960 körül
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
21x30 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
0410-Bak-Imre-Barhol.jpg
Bak Imre
Bárhol

Bak Imre

Bárhol

Készült
2013
Technika
akril, vászon
Méret
80x120 cm
A művész bemutatása

Bak Imre a hatvanas évek közepén alapozta meg festészetének karakterét, ami a mai napig támaszkodik a geometrikus absztrakt művészet tanulságaira. Dacolva – néhány pályatársával együtt – a kor geopolitikájával és az akkori társadalmi rendből adódó egzisztenciális és egyéb nehézségekkel, Bak kapcsolódni kívánt a kor egyetemes művészetéhez. Az Iparterv-kiállítások idejére (1968–1969) már megfogalmazódott benne a gondolat, hogy ötvözze az amerikai művészet hard-edge és minimalista tendenciáit a magyar avantgárd művészet tradícióival és a magyar népművészetből inspirálódó motívumokkal. Ez a strukturalista, a jelek és szimbólumok természetét vizsgáló program határozta meg a hetvenes években létrehozott festményeit. A nyolcvanas években Bak képeinek geometrikus rendszere egyre összetettebbé vált, előkészítve festészetének posztmodern fordulatát. Művészetében a rendszerváltás után a motívumok ismét „egyszerűsödtek”, nagyobb egybefüggő színfelületek jellemezték az építészet által inspirált festményeit. Ez idő tájt készült perspektivikus képei geometrikus formákból építenek fel tájakat, az építészeti tagozatokból emelt „struktúrák” fő motívumai köré építve. A kétezres évek után létrehozott, utolsó korszakához tartozó műveivel Bak visszatért a geometrikus festészet alapkérdéséhez: hogy miként lehet térillúziót teremteni a festészet síkbeli eszközeivel. A téglalap alakú színmezőket és a kettős színsávokat ötvöző kompozíciói a tiszta színek intenzív használatára épültek, amelyek egyértelműen a tér mélységének illúzióját keltik vásznain. 

 

Fenyvesi Áron 

A művész további alkotásai »
1381 Knyih†r Bence - Pinty no.1
Knyihár Bence
Pinty no.1

Knyihár Bence

Pinty no.1

Készült
2015
Technika
olaj, vászon
Méret
153x181,5 cm
A művész bemutatása

A Pécsi Tudományegyetem Művészeti karán 2011-ben szerezte meg diplomáját Knyihár Bence. 2016 óta az Artus Kortárs Művészeti Stúdió tagja, rendszeres kiállítója. Művészetében két alkotói fázis különíthető el, amelyek bár azonos festői eljárásból táplálkoznak, a 2018-ban megtalált, markánsan kolorista látásmódú ecsetkezelés tartalmilag egy teljesen új kompozíciós elv mentén szerveződik. Szél (2014) és a Pinty no. 2 (2015) színkezelésükben és technikájukban inkább még egy bizonyos kísérletező parafrázisok érzését kelthetik a befogadóban. Míg előbbin egy gyors, rövid kontaktust engedélyező gesztusfestészeti szekvenciák tobzódása figyelhető meg, addig utóbbi felidézheti Gerhard Richter Karmincímű munkájának színabsztrakcióját és annak Vermalung technikáját. Itt a felülfestés és életlenítés gyakorlata hangsúlyosabb szerepet játszott, az absztrakt színmezők összemosása azok véletlenszerű keveredését okozza, a korábbi festékréteg simítókéssel való visszaszedése pedig a vászon archeológiai feltárását nyújtja, ezzel számtalan haptikus réteg- és felületsíkot eredményezve.

Knyihár Bence 2023 nyarán mutatta be Átfedések című tárlatán legújabb, a hatvanas évek egyik meghatározó, olasz festészeti – Alberto Fiz által ismét a jelen diskurzusába emelt – mozgalmának, a Pittura Analitica égisze alatt született munkáit. Ez az analitikus megközelítés a festészet alkotóelemeit (vászon, keret, anyag, szín és jel) és azok egymáshoz való viszonyrendszerét, valamint a mű mint fizikai tárgy és alkotója közötti metabolikus (mint anyagcsere és információáramlás) élményt nyújtó kontaktust vizsgálja, a tiszta, abszolút létállapot feltárását tűzte ki célul. Orchids 1–4. (2022) című sorozat a komplementer színterek, egyben a névadó orchidea virág kontúrjának, pozitív-negatív formáinak egyenrangú ütköztetését viszi színre, miközben egyfajta mozgalmasságot is ad neki az alkotó a vászon vakrámára való, enyhén elcsúsztatott felfeszítésével. Knyihár ugyanakkor belejátssza a képi megalkotásba a virág nómenklatúráját is: az ókori hit szerint afrodiziákum. A nemes szépséget, értékességet szimbolizálja általánosságban, kék színnel párosítva ugyanakkor itt az abszolút ritkaságot, a Pittura-Pittura (festészet-festészet) áhított esszenciáját jelöli.

Szabó Annamária

A művész további alkotásai »
0060-Szinyova-Gergo-Cim-Nelkul-Nappali-tevekenyseg.jpg
Szinyova Gergő
Cím nélkül (Nappali tevékenység)

Szinyova Gergő

Cím nélkül (Nappali tevékenység)

Készült
2018
Technika
akril, vászon
Méret
120x90 cm
A művész bemutatása

Szinyova Gergő művészete sok szálon kötődik az utóbbi évek újabsztrakt festészeti tendenciáihoz. Művei általában olyan önálló sorozatokat alkotnak, amelyek a festészet történeti és aktuális paradigmáinak körüljárására, át- és újraértelmezéseire is kísérleteket tesznek. A Tumblr-generáció fiatal művészeként festészetébe folyamatosan beépülnek a 21. századi digitális képkultúra vizuális impulzusai. A vizuális kódok remixelésével napjaink kezdet és vég nélküli képáradatára is ráirányítja a figyelmet. 

Szinyova festményeinek rendkívül vékonyan, printszerűen megfestett felületei a szitanyomáshoz hasonlatosak; a jelenleg reneszánszát élő rizográftechnika esztétikai sajátosságait visszhangozzák. A rizográfnyomatok megidézéséhez és leképezéséhez a művész egy olyan technikát fejlesztett ki, amelynek köszönhetően a festett, mégis printszerű képfelületek mindegyike egyedi, megismételhetetlen és sokszorosíthatatlan entitásként működik, jóllehet a képterekben megjelenő digitálisan (vektorosan) előrajzolt motívumok többszöri megismétlése visszautal az ipari sokszorosításban rejlő lehetőségekre is. A rizográfnyomatok esztétikája mellett továbbá fontos előképet jelentenek Szinyova számára a hetvenes és nyolcvanas évek magyar és európai plakátművészeti alkotásai. Az asszociációk előhívása mellett jelen esetben a sokszorosítás esztétikai sajátosságainak megidézésén keresztül továbbra is fontos törekvése maradt a narratíva és a direkt jelentés elkerülése. 

Zsikla Mónika 

A művész további alkotásai »
0156-Major-Kamill-Sarga-Palmyra.jpg
Major Kamill
Sárga Palmyra

Major Kamill

Sárga Palmyra

Készült
2013
Technika
vegyes technika, fa
Méret
122x84,5x5 cm
A művész bemutatása

Művészete az 1960-as évek pécsi Lantos-körének gyakorlatából kiindulva Franciaországban vált egyénivé. Jóllehet a Lantos-féle struktúra- és variáció-elvvel szemben renitensnek mutatkozott, a bonyhádi épületzománc-program megvalósításának lehetősége mégis neki köszönhető, és noha Párizsban is minimalista és rendszerelvű képekkel kezdte pályáját, bennük a geometria rejtett és festői, személyes.

A párizsi École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs-ban a képsokszorosítás technikáiból szerzett diplomát. Szitanyomással készített motívum- és képvariációk léptek a korábbi struktúrák helyébe. Mappái (köztük kortárs zenei és irodalmi művek is), grafikai sorozatai közül kiemelkedik Appel című folyamatműve (1980), melyben a szerialitáselv alapján jut el a modern művészet kulcsműveiben (például Malevics Fekete négyzetétől a Fehér négyzet fehérenig) rejlő spiritualitásig. A szerialitás Major technikailag összetett festészetének is az egyik alapja, ami, Hantai Simon mellett dolgozva, hatalmas méretű vásznakra tetszőlegesen elcsúsztatható szitával felvitt, rácsszerkezetű mintázatokban bontakozott ki.

A 80-as évekre munkásságának fő területe az „írás” lett: az akkád és sumér ékírásra emlékező, de egyéni formákkal, azokat tömörítve-ritkítva, valamint egyéni technikával (például fűrésszel) készülnek máig az írásfestmények és reliefek variációi. Bennük a sorokba rendezésen kívül minden véletlenszerű.

1975-ben már önálló kiállítása volt Párizsban, művei megtalálhatók a nagy francia és magyar közgyűjteményekben.

Keserü Katalin

A művész további alkotásai »
1317-Bobics-Diana-Osztott-festmeny_44.jpg
Bóbics Diána
Osztott festmény / 44

Bóbics Diána

Osztott festmény / 44

Készült
2022
Technika
akril, vegyes technika, vászon
Méret
40x40 cm
A művész bemutatása

Bóbics Diána az ezredforduló környékén pályára lépő posztkonceptuális nemzedék kísérletező képviselője. Sokszínű életműve – tudományokon és technikákon átívelő eszköztárával – az emberi tapasztalás és a képi formaképzés esettanulmányait vizsgálja.

A zalaegerszegi születésű Bóbics a 2000-es években előbb a pécsi PTE Művészeti Karán végzett, majd a müncheni Akademie der Bildenden Künstén. Konceptuális indíttatású, kísérletező szellemiségű munkáinak központi motívuma a sérülékeny test és a vonal metaforikája. Sokszínű, intermediális életművében megfér egymás mellett a digitálisan komponált zene, a hanginstalláció, az emberi sérüléseket megjelenítő rajz, a szoba terét átalakító fekete ragasztószalag-intervenció, a nagyító alá helyezett viasztömb, a retró világot idéző kerámiaváza és a textilkivágásokból épített origami filcrelief. Életművének fő fonala – saját szavaival élve – „az ember sérülékenységének organikus visszatükrözése »sík-képek«, valamint a térben megjelenő objektek által, amelyeket különböző, már létező fizikai struktúrák kontextusába ágyazok sok esetben térrajzként.” A 2010-es évek során felerősödött az absztrakció szerepe művészetében, többek között egykori mestere, Sean Scully hatására. Osztott képek című, 2022-es festménysorozatán az expresszív nonfigurativitás energikus, fiatalos vitalitásról tanúskodó terepére lépett, elemezve a vonal struktúrateremtő erejét. A több mezőre osztott képtérben élénk színekkel felvitt absztrakt gesztusok, többször felülfestett színmezők és graffitit idéző szprényomok jelentek meg. Bóbics Pécsett él és alkot. Annak a PTE Művészeti Karnak az oktatójaként dolgozik, ahol doktori tanulmányait végezte. Egyéni és csoportos kiállításokon rendszeresen szerepel Pécsett, illetve különböző európai városokban.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0346-Almasy-Aladar-Egy-gombareszlettel-meghajlitott-kanal.jpg
Almásy Aladár
Egy gombarészlettel meghajlított kanál

Almásy Aladár

Egy gombarészlettel meghajlított kanál

Készült
2008
Technika
akvarell, tus, pasztell, papíron
Méret
56,5x76 cm
A művész bemutatása

Almásy Aladár a hetvenes években pályára lépő grafikusnemzedék egyik karakteres alkotója, akinek rajzos képzőművészeti univerzumát a misztikus lélektani szimbolizmus, a romantikus érzékenység és a nyelvi humor határozza meg. Kívülálló karakterét Szabó Noémi művészettörténész írta körül plasztikusan: „Romantikus-szürrealista eklektikát művel, a jelen kortól távoli álomvilágot épít, tele allűrrel és mégis őszintén.”

A debreceni születésű Almásy 1976-ban fejezte be grafikai tanulmányait a Képzőművészeti Főiskolán. A hetvenes években a Kondor Béla, Gross Arnold, Rékassy Csaba és Würtz Ádám nevével fémjelzett, az előző évtizedet meghatározó, iskolateremtő grafikusnemzedék folytatójaként lépett fel Szemethy Imrével együtt. Elsőként rézkarcokkal, litográfiákkal, aquatinta és mezzotinta technikával készült sokszorosított grafikákkal, valamint tollrajzokkal mutatkozott be. Esztétikai világát a szaggatott, tördelt rajzi fogalmazásmód, az álomszerű, szürreális víziók és a játékos nyelvi humor jellemezte. Számos hazai egyéni kiállításához már ekkor jártul pár nemzetközi tárlat is. Nagy botrányt kiváltó, 1978-as ars poeticája szerint individualista álmodozónak tartotta magát: „Létezésem egyedülálló vizuális formavilág, belső érzelmeknek a meghatározója, ez egy soha el nem kötelezett tiszta kimeríthetetlen világkép.” A nyolcvanas években fokozatosan sodródott a festészet felé, tördelt vonaljátékához felhőszerű színvoltokat társítva. Múltba révedő művészete a századforduló szimbolizmusának költői hangulatát idézte meg, a baudelaire-i metaforikus enigmától Gulácsy Lajos nosztalgikus álomvilágáig. Költői elbeszéléseinek hősei sokszor a kultúrtörténetből kerülnek ki (Széchenyi István, Luther Márton, Zarathustra stb.). A sokféle technikát felölelő életműben az ezredforduló tájékán megjelent a bronzszobor is. Sikeres pályakezdését számos állami kitűntetés kísérte a hetvenes-nyolcvanas években.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0823-Aatoth-Franyo-Fokepp-Sarga.jpg
Aatoth Franyo
Főképp Sárga

Aatoth Franyo

Főképp Sárga

Készült
2017
Technika
olaj, vászon
Méret
40x40 cm
A művész bemutatása

Aatoth Franyo a nyolcvanas évekbeli újfestészet neodadaista hagyományát ápoló alkotóművész, akinek utazó, bohém világpolgárként megszülető életművét különféle országok kultúrája termékenyítette meg. Gerlóczy Márton meghatározásával „világhírtől tartózkodó világhírű festőművész”, saját szavaival élve viszont „exhibicionista”, hiszen „valamit meg akar mutatni” magából mindig.

A nyíregyházi születésű, „aatoth franyo” művésznéven alkotó Tóth István Ferenc vegyésztechnikusnak készült, de végül a képzőművészeti pályát választotta a hetvenes években. Victor Vasarely révén jutott ki Párizsba 1978-ban, ahol az École Supérieure des Beaux-Arts-on szerzett diplomát. Világutazó művészként élt és dolgozott több nyugati országban, valamint egzotikus vidékeken, Észak-Afrikában, Mongóliában és Thaiföldön. Kiforrott művészete a nyolcvanas évek franciaországi új festészetéből, a figuration libre naiv figuralitásából, az utcai graffitik spontán esztétikájából és a neodadaizmus szertelen szellemiségéből táplálkozott. Korai festményeinek komor színeit a kilencvenes évek elején – mongóliai tartózkodása hatására – az emblematikus bordós vörös váltotta fel, ami olyan hagyományos jelentéssíkokat olvaszt magába, mint a tűz, vér, szerelem, pokol, láng, forradalom vagy az erős fűszerek. Az expresszív ecsetkezeléssel megfogalmazott vörös terekben groteszk, gyerekrajz szerű figurák és motívumok jelentek meg. A gyakran abszurd, humoros vagy filozofikus tartalmakat magyar, franca vagy angol nyelven írt szövegek egészítik ki. Aatoth Franyo művészete 2010 körül fokozatosan fordult új irányba: a művész a thaiföldi dzsungel mélyén alakított ki magának műtermet, ahol személyes élményévé vált a végtelen esőerdőt eltörlő civilizáció romboló hatása. Ettől kezdve születő munkáin a dús vegetáció arabeszk gesztusokként, kalligrafikus jelekként jelenik meg, absztrahálva a tubusból közvetlen a vászonra nyomott festékfoltokat. Bohém életművében – a domináns festészet mellett – szerepel egy utazóknak szóló kézikönyv, valamint animációk, objektek és installációk is. Munkái megtalálhatók számos nemzetközi közgyűjteményben, az ulánbátori Modern Művészeti Galériától a párizsi Bibliothèque Nationale-ig. Párizsban, illetve Thaiföldön él és alkot.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
0231
Gross Arnold
Kaleidoszkóp

Gross Arnold

Kaleidoszkóp

Készült
1970 körül
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
16,3x12,5 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
0228
Gross Arnold
Jan Van Eyck emléklap

Gross Arnold

Jan Van Eyck emléklap

Készült
1970 körül
Technika
színezett rézkarc, papír
Méret
13,5x6,2 cm
A művész bemutatása

Gross Arnold a 20. századi magyar grafika talán legnépszerűbb és legismertebb alkotója. 1929-ben született Tordán, az ott töltött, idilli gyermekévek emléke később is visszatér művein (Emlékek kertje, Tordai műterem)). Habár 1953-ban, a legsötétebb Rákosi-korban diplomázott a Képzőművészeti Főiskolán, alkotásain semmilyen nyomott nem hagyott a szocialista realizmus elvárása. Kezdettől fogva elsősorban művészi grafikával, elsősorban rézkarccal dolgozott, aminek a hatvanas évektől sajátos, egyedileg színezett technikai megoldását dolgozta ki. Gross Arnold rézkarcai egyedülálló, szürrealista álomvilágot teremtettek a hatvanas-hetvenes évek magyar művészetében. Fantáziavilágának tündéri teremtményeit csipkeszerű mustraként teríti szét a képfelületen, ötvösműveket idéző finomsággal dolgozva ki a rajzi részleteket. Közeli baráti köréhez tartozott Kondor Béla (Kondor Béla emléklap). Rézkarcait az 1960-1970-es években nemzetközi szinten is elismerték, 1966-ban és 1968-ban egymást követő két alkalommal is díjazták a rangos Krakkói Nemzetközi Grafikai Biennálén.

Korai művei, az ötvenes évek közepétől Rembrandt ihletését mutató, mívesen megmunkált tájképi rézkarcok voltak. A hétköznapok valóságának felszínét felfejtő mesevilágát 1963-tól kezdte el kidolgozni (Az öröm ünnepe, A nem hervadó kert). Képeinek meseszerű, vállaltan naiv szürrealizmusával alternatív fantáziavilágot hívott éltre, újabb és újabb kapukat nyitva a tapasztalati valóság felszíne mögé. Gyermekien idilli álomvilágát olykor humorral, játékossággal és némi derűs iróniával, szatirikus hangnemmel fűszerezte. Képeinek központi témája a művészet és a művészlét maga. Számára ez a szerep nyújtott lehetőséget arra, hogy kilépjen a hétköznapok valóságából. Műterme a házon és a kerten túl, kiterjed az egész világra. Fantáziavilága éppúgy átszövi a természeti tájat mint a nagyvárosok képeit. Valamennyi az elvágyódás belső késztetéséből fakad, és abból a hitből, hogy a mindennapok szürkesége a játék derűjével és az ünnep emelkedettségével mindig felülírható.

Révész Emese

A művész további alkotásai »
1081-Tomasz-Piars-The-New-Alchemy-No.3.jpg
Tomasz Piars
The New Alchemy No. 03.

Tomasz Piars

The New Alchemy No. 03.

Készült
2019
Technika
akril, papír
Méret
100x70 cm
A művész bemutatása

Sokszögű kristályok, elfolyó, amőbaszerű formák, élénk, kontrasztos színek, telített képfelületek, ez jellemzi Tomasz Piars egyedi festészetét. Absztrakt munkáinak különleges világa egyszerre emlékeztet a biológia és az ásványtan mikroszkopikus képeire és a csillagközi világ széttöredezett kövezeteinek látványára – ettől válik művészete a fantázia és a szigorú komponálás határterületévé.

Tomasz Piars Lengyelországban született, de a Képzőművészeti Szakközépiskolát már Budapesten végezte – 1992 óta él Magyarországon. A Képzőművészeti Egyetem elvégzésével biztossá vált számára, hogy Budapesten telepszik le, és itt teljesíti be művészeti karrierjét. Alkotói tevékenysége mellett kulturális managerként más művészek munkáit is a közönség elé tárja, dolgozott kurátorként a Lengyel Intézetben, jelenleg pedig saját műteremlakásában (Art Salon Contemporary) kiállításokat szervez magyar és külföldi művészeknek.

Piars sorozatokban gondolkodik. Egy-egy képi ötlet, ami az ő esetében rendszerint szerkezeti kontrasztok kidolgozásából indul ki, véleménye szerint sohasem tud egy adott műben megvalósulni, az első ötletet minden esetben tovább gondolja, a lehetőségeket tovább elemzi, és hozza létre újabb és újabb verzióit.

A „Chrystals of Memory” azt az érzést jeleníti meg, ahogyan tudatunkban az emlékképek a múltról összeállnak. Vannak biztos, stabil pontok, de vannak bizonytalan rétegek is, ezek együtt alkotnak egy olyan szövetet, ami az emlékező személy múlthoz való viszonyát, így identitását is jelenti. Piars képein szándékosan olyan rendszereket alkot, amelyek érzékelhetően folytathatók a síkban a kép keretein túlra, így képzeletünkben tovább formálódnak.

A „Liquid Spaces” és a „Soft Impact” karakterében más, papírra készült kompozíciók sora, amelyeken egy-egy, „sarkos” elem, vagy geometrikus mintázat kerül dialógusba a térben előtte lebegő, sokkal szabadabban kezelt formacsoporttal. Ezeken a szériákon Piars-t a térhatás és a síkszerűség ellentmondása foglalkoztatta.

A „Pointing the Spatial” széria kerek elemek sokaságából és azokat összekötő egyenesekből építkező darabjai, a molekuláris szerkezetek összetett felépítését, illetve azok ábrázolási lehetőségeit idézik. A kapcsolatok lehetősége végtelen, ezek térbeli elhelyezkedése újabb és újabb variációkat jelentenek, amelyek mint a hálózati ábrák metaforái, gondolattérképek diagramjai itt csak az absztrakt, tartalom nélküli kapcsolatok sokaságát jelenítik meg.

Végül a „The New Alchemy” sorozat címével a művészetre is utal, ami a kreativitáson és a képzeleten alapulva olyan imaginárius és organikus rendszereket tud létrehozni vásznon és papíron, amely teremtő erőként, egy új vizionárius természeti rendként jelenik meg művészetében. Tomasz Piars elképzelése a világ ábrázolásáról egyedi utat követ.

Petrányi Zsolt

A művész további alkotásai »
0888-Kusovszky-Bea-Szivarvanyszurkek-VI.jpg
Kusovszky Bea
Szivárványszürkék VI.

Kusovszky Bea

Szivárványszürkék VI.

Készült
2021
Technika
akril, vászon
Méret
100x80 cm
A művész bemutatása

Kusovszky Bea festőművész Budapesten él és dolgozik. A Magyar Képzőművészeti Egyetemen szerzett festőművészi diplomát, és az Universitat de València festészet és animáció szakán tanult. Számos egyéni és csoportos kiállításon vett részt, jelenleg a VILTIN Galéria képviseli Magyarországon.

Kusovszky Bea művészeti gyakorlatában a művészettörténet különböző korszakainak képi minőségeit és optikai paramétereit elemzi. Ez az érdeklődés az erőteljes figurativitástól az absztrakció különböző narratíváinak dekonstrukciója és újjászervezése felé vezette, miközben folyamatosan fenntartotta technikai perfekcionizmusát és a kép ontológiájának megkérdőjelezése iránti elkötelezettségét. Kusovszky sorozatokba rendeződő festményciklusain keresztül különböző vizuális jelenségeket vizsgál a művészet, a tudomány és a populáris vizualitás határán: olykor a newtoni színspektrumra vagy a színes szürkék sajátos esztétikájára utal, máskor az ikonikus Ben-Day pöttyök op-artos környezetében kontextualizálja újra a festészetet, olyan összetett keretszerkezetek felállításával, amelyek a felületet digitális képernyőként vagy kapcsolótáblaként képzelik újra. Ezáltal egyszerre nosztalgikus és technoutópisztikus víziókat körvonalaz, amelyek a néző figyelmét a festmény identitására irányítják. Képzőművészeti gyakorlatára a jelentős elődök munkássága is hatással volt, így Roy Lichtenstein, Bridget Riley vagy a magyar művészeti szcénából Hencze Tamás, Nádler István vagy Bullás József is hatott képi gondolkodásmódjára. Referenciális, relativista szemlélete különböző értelmezési mezőket bont ki, melyben a benjamini „auráról”, vagy éppen a posztmodern intertextuális metastruktúráiról is elmélkedhet a néző. A fiatal generáció tagjaként a digitális vizualitás kortárs tapasztalatai is hatással vannak rá. Kusovszky azonban munkáin keresztül ezeket a benyomásokat olyan komplex, mechanikus és manuális módszerekkel kivitelezett vizuális rendszerekké desztillálja, amelyek a festészet alapvető egységeit tárják fel: az anyagot, a hordozót és a képet mint tárgyat.

Tayler Patrick

A művész további alkotásai »
0289-Csato-Jozsef-Mi-es-Ok.jpg
Csató József
Mi és Ők

Csató József

Mi és Ők

Készült
2019
Technika
olaj, akril, vászon
Méret
80x70 cm
A művész bemutatása

Csató József annak a fiatal festőgenerációnak a képviselője, akik a festészetet hibrid módon értelmezik, azaz a jelen valamennyi képi és multimediális eszköztárát kihasználva – még a festészeti konvencióknál maradva, de annak reprezentációs feladatát megszüntetve – hozzák létre műveiket. Művészete az absztrakció és figuralitás felcserélt imitációja: a figurális absztraktként, az absztrakt figurálisként jelenik meg. „Mintha-effektus”, egy egyáltalán nem szépelgő közegben. Radikális közlések barátságos elbeszélő módban. 

Csató festményei nagyon egyedi vizuális nyelven beszélnek. Figurái és formái egyfajta pszichedelikus, személyes szimbólumrendszert alkotnak, amiben az amorf formák mintha valódi, létező lényeket jelenítenének meg, legyen az növényre vagy egysejtű állatkákra hasonlító, billiomodnyi méretről felnagyított elem. Ezek a kvázifigurális és absztrakt művek, illetve képrendek számos művészettörténeti referenciát olvasztanak bele a jelen fantáziavilágába. Az ismétlődő formák újbóli kifejtése, a képi kompozíciók szervezése olyan, mintha botanikus kísérletek tartanák mozgásban ennek a festett élővilágnak a dinamikáját. Csató képzőművészeti munkája mellett remekül zenél, néha olyan űrhangok segítségével, amelyek a szférák világába viszik a hallgatót.

Fabényi Julia 

A művész további alkotásai »
1161-Paragi-Eva-Borostyanok.jpg
Paragi Éva
Borostyánok

Paragi Éva

Borostyánok

Készült
2019
Technika
akril, olaj, vászon
Méret
100x70 cm
A művész bemutatása

Paragi Éva a pécsi kötődésű geometrikus festőtradíció ezredfordulón pályára lépő képviselője. Érzékeny koloritú absztrakt festményeinek geometrikus motívumai a kép elbeszélőképességének minimalista határaira kérdeznek rá.

A budapesti születésű Paragi Éva a kilencvenes évek második felében végezte el a Pécsi Tudományegyetem művészeti karát, a pécsi absztrakció legendás mesterének, Lantos Ferencnek a szárnyai alatt. Festészetét a geometrikus absztrakció nagy 20. századi modernista hagyományának és a pécsi kolorizmus örökségének kettős továbbvitele határozza meg. Az applikált léceket és geometrikus struktúrákat variáló korai táblaképei után a kétezertízes évek derekán talált rá fő motívumára, a faékre. A fontos, de láthatatlan műtermi segédeszköz kettős természetét így magyarázta: „A talált elem, a festővásznak kereteit megfeszítő faék, egyik irányban téglalap, másik irányban egy csúcsban végződő pici tárgy. Kettős természetű. Szétfeszíti a vakráma keretét, így segíti hozzá a vásznat, hogy síkban maradjon. Feszít, távolít, hogy közelítsen és összetartson. Anyaga fa, szabálytalan erezettel rendelkező természetes objektum, melyet egyenes vonalak metszenek geometriai formává. Szabálytalan és szabályos egyszerre.” Paragi az ékformákból játékosan geometrizáló konstrukciókat épít, például fonott drótkerítést vagy szögesdrótszerű csillagmotívumot. Máskor szabadon lebegteti őket a fodrozódó, gesztusokkal teli absztrakt képmezőben, vagy akár porcelántálba gyűjti őket valós, háromdimenziós formájukban. A motívummal játszadozó kombinatorikai műveletek során a vizuális elem képpé válásának rejtett mechanizmusait térképezi fel. Paragi Szegeden él és alkot. Bár több külföldi kiállításon is szerepelt, tárlatai leginkább Szegedhez és Pécshez kötődnek.

Rieder Gábor

A művész további alkotásai »
1225-Melkovics-Tamas-Alloy-Series-Composition-19.jpg
Melkovics Tamás
Alloy Series, Composition 19.

Melkovics Tamás

Alloy Series, Composition 19.

Készült
2022
Technika
65 db öntött alumínium elemből felépülő moduláris kompozíció
Méret
128x57,5x38,5 cm
A művész bemutatása

Ismerősök szólítanak meg Melkovics Tamás szobrászművész alkotásait nézve. Olyan szobrok, amelyekről azt gondoljuk, hogy mindjárt megmozdulnak, lekúsznak a posztamensről, vagy esetleg valamilyen hanggal is jeleznek felénk. Ismerősek, mert az organikus absztrakt világon belül a művész megtalált egy olyan formanyelvet, ami a kollektív tudattalanunkhoz szól, és az élővilág, élőlények, születés és mozgás asszociációit hívja elő. 

Melkovics Tamás művészete folyamatosan tágítja a szobrászati kereteket, de egy bizonyos határt nem lép át, megmarad a diszciplína keretei között. A művész a Magyar Képzőművészeti Egyetem szobrász szakán végzett 2012-ben, mestere Farkas Ádám. 2018-ban és 2021-ben Derkovits Gyula képzőművészeti ösztöndíjban részesült. Kiállított a Parthenón-fríz Teremben 2017-ben, a Várfok Galéria Project Room-ban 2019-ben. Számos csoportos kiállításon vett rész Budapesten, Szentendrén, Székesfehérváron, Dunaújvárosban, Pécsett és Edinburgh-ban. Magángyűjtemények mellett a Ferenczy Múzeumi Centrum, a székesfehérvári Csók István Képtár, a Kiscelli Múzeum – Fővárosi Képtár, a dunaújvárosi ICA-D Kortárs Művészeti Intézet gyűjteményeiben is szerepel. 

Alkotásaiban rendszereket, alapvető szabályokat, törvényszerűségeket keres, mintha az élet és az érzékelhető világ gyökereihez, felépítéséhez akarna visszanyúlni. Az ismétlődéssel visszatérő alapmodulok talán ezeket az alapvető törvényszerűségeket hivatottak feltárni. Műveiben alapvető a mozgás. Még azok a munkák is, amik különálló lények is akár, dialógusra kelnek egymással. A tudomány nyelvén szólva a szobrok utalhatnak fraktálokra, a növekedés, az evolúció alapelveire, a természet dinamikájára, ahol soha semmi egy pillanatra sem áll le, minden folyamatos változásban, átalakulásban, mozgásban és kölcsönhatásban van, mert ez a biológiai élet alapja is. A művek sokszor emlékeztetnek természeti formákra, mint a fa vagy a gyümölcs, a Tony Cragghez is hasonlító antropomorf szobrok viszont az emberi létezés alapjaira kérdeznek rá, és a komplex struktúrák, amik végül megállnak egy végleges alakzatban, emberi viszonyrendszerekre és kapcsolódásokra mutatnak. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »
0124-Ernszt-Andras-Zold.jpg
Ernszt András
Zöld

Ernszt András

Zöld

Készült
2018
Technika
akril, vászon
Méret
100x120 cm
A művész bemutatása

Ernszt András Pécsett élő és alkotó művész. Tanulmányait a Pécsi Tudományegyetemen folytatta, mestere Valkó László és Keserü Ilona volt. Ugyanott 2009-ben DLA fokozatot szerzett. 2010 óta a PTE Művészeti Karának Festészet Tanszékén adjunktus. 1997-ben a DAAD, 2001-ben a Magyar Állami Eötvös-ösztöndíj nyerteseként élt Münchenben, majd 2003-ben neki ítélték a Ludwig Múzeum Strabag Festészeti Díját. 1997 óta rendszeresen vannak egyéni tárlatai, és csoportos kiállításokon is részt vesz magyar és külföldi galériákban: többek között Pécsett, Budapesten, Brüsszelben, Stuttgartban.

Ernszt András képei folyamatosan mozgásban lévő, dinamikus színkompozíciók. A festékrétegek kilépése a vászon síkjából karakteres, plasztikus hatást, tér, illetve mozgás illúzióját kelti. Munkáiban jelentős szerepet játszik a struktúra és rétegződés, ehhez társul egyfajta reduktív színhasználat. A már-már monokróm hatású színtónusok a festékanyagot, a felületek kidolgozottságát és kidolgozásuk technikáját állítják a középpontba. A képek komplexitását növelik a rétegződés adta fény-árnyék hatások, illetve a játék egy-egy szín árnyalataival. A vásznakon nem találunk nyugodt pontokat: különböző alakzatok fekszenek egymáson, s az ebből adódó rétegződés mélységet, diszharmonikus elrendezésük pedig dinamikát kölcsönöz a látottaknak. Képei nyugtalan, folyamatosan helyüket kereső, véletlen mozgásból kialakuló formák kavalkádját mutatják be.

A művész további alkotásai »
1093-Andreas-Fogarasi-Hardwood-Floor.jpg
Andreas Fogarasi
Hardwood Floor

Andreas Fogarasi

Hardwood Floor

Készült
2022
Technika
fa parketta (1915k.), parketta mintalap (2021k.), acélszalag
Méret
100x70x6,5 cm
A művész bemutatása

2007-ben a Velencei Biennálén a magyar pavilon nyerte el a nagy presztízsű Arany Oroszlán-díjat. A legjobbnak nyilvánított nemzeti pavilon Tímár Katalin kurálása alatt egyetlen videoinstallációt mutatott be, az akkor fiatal művésznek számító Andreas Fogarasi művét, amelynek témája a budapesti művelődési házak szocializmusból fennmaradt fizikai és szellemi hagyatéka volt. A lassú, dokumentarista, esztétikájában „szocialista minimalista” mű annak ellenére hívta fel magára a figyelmet, hogy természetét tekintve nem biennáléra való, hiszen ezeken a nagy nemzetközi tárlatokon a gyors hatás a lényeg. 

Fogarasi háttere az építészet; a bécsi Iparművészeti Főiskolán folytatott építészeti tanulmányokat, majd érdeklődése a bécsi Képzőművészeti Akadémiára terelte át. Képzőművészeti tanulmányai mellett megmaradt építészeti érdeklődése, és továbbra is ez művészete kiindulási alapja. A biennálé sikere óta számos neves nemzetközi szereplése volt Mexikóvárosban (Proyectos Monclova, 2016), Los Angelesben (MAK Center, 2014, Oscar Tuazonnal), São Paulóban (Galeria Vermelho, 2014), kiállított Lipcsében, Madridban, Párizsban és New Yorkban is olyan rangos intézményekben, mint a Palais de Tokyo, a Frankfurter Kunstverein, a bécsi MUMOK vagy a Ludwig Múzeumok. Legutóbbi nagyszabású hazai megmutatkozása a Skin City – A város bőre című egyéni kiállítása volt a Budapest Galériában 2022-ben. 

Fogarasi munkássága halmozottan összetett. Magába foglalja a konceptualista művészet eszmeiségét, a minimalizmus esztétikáját, és a research-based art feltárási szándékait. A rajz, a grafika és a festészet konzervatív keretei között mozogva használja az építészet letisztult tervezői formáit, amelyeket a történelmi múlt roppant személyes, emberi és ismerős érzeteivel vegyít. Az épített környezetet, gyakran szocialista helyszíneket nem csak régészeti leletként mutatja be, hanem az identitás, emlékezés, a hagyaték komplex kérdéseire világít rá. Műveiben elegáns dialógusba helyezi a képzőművészet hagyományos anyagait, mint a vásznat, grafitot, festéket a bontási helyszínekről származó épületmaradványokkal. Így az absztrakció univerzális esztétikáját, időtlenségét és személytelenségét az épületekben használt anyagok szubsztanciájának és történelmiségének súlyával ütközteti, sokrétű asszociációs lehetőséggel ruházva fel a művet. 

Vékony Délia 

A művész további alkotásai »